Bonus:Médiation

Anaïs Lapel propose à une classe de 4ème du collège Paul Langevin une relecture de l’introduction des Dépossédés, d’Ursula Le Guin. En trois séances ils ont mis en image, mis en page, puis ont imprimé et façonné ensemble un livre d’artiste collectif.

Ces ateliers ont été réalisés dans le cadre des EAC département

Entre le 17 mars 2020 à midi et le 10 mai 2020 à minuit, une batterie de restrictions de déplacement contraignait la population française. L’une d’entre elle, la plus emblématique, le fameux rayon d’un kilomètre autour du domicile concédant des déplacements brefs d’une heure quotidienne, fut marquée au sol à la craie par Matthieu Husser. Il s’agissait probablement pour l’artiste de manifester sa désapprobation et un certain agacement. Mais il lui était assurément nécessaire d’éprouver physiquement la contrainte. Marcher chaque jour dans cet espace circonscrit ne suffisait pas, il fallait le délimiter et signifier cette frontière absurde. Il fallait conjurer l’interdit.

Matthieu Husser entretient une relation singulière à la géographie d’une ville, qui passe principalement par le fait de la parcourir de long en large, à pied ou à bicyclette. Que ce soit à Strasbourg, Berlin, Lille ou Nantes, il n’a de cesse d’explorer les coins et les recoins de l’urbanisation galopante, à croire qu’il court après. Il expérimente la ville par des déplacements incessants et répétitifs, en martelant les pavés, comme s’il cherchait à tracer de nouvelles voies sous ses pas, ou une cartographie dont il serait le seul destinataire, ou du moins qui ne se révélerait qu’à ses yeux. Que ce soit lorsqu’il déambule au hasard, ou qu’il effectue au préalable un repérage sur carte, il tente de saisir les mutations urbaines, de les faire siennes. Il habite la ville en l’arpentant, en posant des balises sensibles qui lui feront prendre telle ou telle direction, s’arrêter ci ou là et goûter toute la singularité des lieux. Il se rendra volontiers au chevet des espaces en transition, des dents creuses, des friches tout autant qu’il sera particulièrement attentif à quelques graffitis ou symboles décatis subsistant sur une façade bientôt rénovée ou abattue. Son attention se portera avec la même intention sur la pierre d’un château fort que sur le béton d’un bloc anti-intrusion, les renvoyant dos à dos. Ces différents éléments distinctifs de l’environnement urbain entrent immédiatement en corrélations avec sa démarche, qui pourrait se qualifier comme une archéologie ludique, comme un jeu formel entre passé et présent, entre modalités de représentations et de distinctions convoquant tout autant l’héraldique que les logotypes. Il opère indéniablement à travers sa démarche une translation des signes, comme autant de transitions urbaines, qu’il aura alors à cœur par la suite de documenter et de signifier.

Depuis la vague d’attentats ayant frappée Paris ou Nice, les métropoles européennes se sont dotées d’une armada de systèmes de sécurisations contraignant fortement les circulations. Des blocs massifs de béton disséminés un peu partout font désormais partie intégrante du paysage urbain. Ils se sont d’ailleurs étonnamment fondus dans le décor, tant leur fonction défensive peut parfois en être détournée par les citadins qui s’en sont emparés. On s’y assoit, on y mange, on y lasse ses chaussures, on saute par-dessus, on gribouille leur surface, etc. Si l’on rapporte ses parallélépipèdes bétonnés au château des Ducs de Bretagne, il s’opérera une étrange analogie qui n’a pas échappé à l’artiste. Tout autant que la forteresse devait défendre la ville à partir du XIIIe siècle, devenant aujourd’hui un musée, un monument historique dépourvu de toute charge militaire, la tâche première des blocs anti-intrusion ou anti-bélier semble s’amenuiser à l’usage. Peut-être que ceux-ci pourraient se confondre à terme avec des sculptures urbaines, ou des vestiges d’un autre temps. Il se pourrait qu’ils soient les traces d’une antique citadelle démontée pierre par pierre puis éparpillée dans la ville, rien ne se perd, rien ne se crée, tout se transforme nous dit la maxime. La sculpture (Sans titre, bloc anti-intrusion, 2022) figurant ces fameux blocs comme s’ils étaient réalisés du même granit que celui des murailles du château des Ducs de Bretagne interroge directement les notions de monument, de mobilier urbain, de sculpture publique. L’œuvre, par un jeu de faux-semblant et de transfert d’attribut, questionne aussi l’identité même de la ville passant à travers ses strates historiques et contemporaines, à travers ses transformations, ses évolutions, ses modalités d’usages, ses rôles et ses positions au fil du temps, comme si elle en forçait la mémoire, comme si elle en était le passe-muraille. Par ailleurs, il y a là une ironie toute enfantine à reproduire ces obstacles empêchant la libre circulation pour quelqu’un qui a fait de celle-ci son propre paradigme.

Les remparts du château de François II de Bretagne, qui ordonna la rénovation complète de l’édifice, se sont glissés dans une autre dimension à la suite des marches prospectives de Matthieu Husser dans les rues de Nantes. Il remarqua que de nombreux graffitis représentant des 44, code postal du département de Loire – Atlantique, émaillaient les murs de la ville. Ainsi ce nombre lui aussi sculpté et patiné comme s’il était fait de la même matière que le château ducal, rappelle d’une part les inscriptions identitaires cités plus haut mais fait aussi référence aux anciennes armoiries qui distinguaient une famille noble ou une collectivité. Hier différents emblèmes symboliques caractérisaient une appartenance à un territoire, aujourd’hui un simple nombre rempli le même office. On peut légitimement s’interroger sur cette paupérisation des signes, ou du moins sur leur réduction, passant outre les valeurs de pouvoir ou de puissance qu’ils pouvaient recouvrir aux plus belles heures des écus. Peut-être est-ce ici une tentative de donner corps à cette classification administrative pour mieux la ramener à une dimension symbolique. Peut-être est-ce une tentative de donner à voir des histoires, de celles que l’on se plairait à imaginer au détour d’une ruelle pour peu que l’on se laisse surprendre.

Les œuvres présentées pour cette exposition captent des instants de ville(s) qui sont mis à l’épreuve du temps, soumis à la question parfois. Elles esquissent une sorte d’atlas archéo-sensible ou chaque reproduction symbolique des cités explorées se propose comme les jalons d’une exploration urbaine. Que ce soit la réplique du logotype de la région Pays de la Loire qui dialogue ici avec son espace de représentation, ouvrant ses parenthèses face à la mer, ou encore l’implantation des pictogrammes annonçant des monuments à l’échelle de l’Europe (Les monuments, 2007 – 2019), elles proposent une aventure dont le décor urbain est répliqué puis mis en situation pour en activer les ressorts.

Ainsi vont les villes, qui si elles n’y prennent garde, s’abîmeraient dans une posture de façade pour mieux dissimuler leur imposture.

Pascal Marquilly, novembre 2022.

La figure de l’ange apparaît régulièrement dans le travail d’Ariane Yadan et dans l’art depuis des millénaires. Ariane présente à la classe sa pratique de la photographie en polaroid. En partant de l’observation des polaroids d’Ariane et d’une sélection d’anges dans l’art, les élèves sont invités à créer leur propre ange en commençant par fabriquer des ailes.

L’enjeu final est que chaque élève, en groupe ou seul puisse créer et imaginer en photographie, un ou des anges avec leurs propres individualités, histoire et fonction. Le travail d’écriture se poursuivra avec l’enseignant associé au projet.

Ces ateliers ont été réalisé dans le cadre des EAC Département.

Noui est un dialogue érotique, compulsif, créatif inspirant une interprétation sonore et une transposition gestuelle – une réflexion sur le rythme et l’expression corporelle.

La création sonore s’entend comme une joute verbale survoltée, inextricable, à la fois réjouissante et tourmentée. Elle convoque des registres de langage cru, soutenu ou théâtralisé. Les protagonistes évoluent sur le fil du rasoir, dans la friction de leurs stratégies d’existence.

La vidéo-danse propose une expérimentation commune où le/la chorégraphe est un être composite : le dialogue, l’interprétation sonore, la plasticienne et les deux danseurs. Le duo restitue les gestes, souffles et sons inspirés par le dialogue de la création sonore en y intégrant l’expérience chorégraphique improvisée.

Le titre de l’exposition traduit la tension du dialogue, Noui, un non-oui, une neutralisation du choix, une coexistence des pulsions et de la réflexion.

La création sonore et la vidéo ne sont soutenues par aucun effet de transition (musique, ponctuation sonore) au-delà des fondus et des intermèdes.
Leur traitement reste relativement brut, en résonance avec l’angle cru du dialogue. Les deux objets sont dissociés de la même source, le dialogue écrit Noui. Leur partition sollicite des ressources distinctes et permet une attention en deux temps : la vidéo convoque l’animalité, la folie et le geste enfantin, la création sonore est habitée par l’intellectualisation et la pulsion sculptée par le langage. Les deux sont porteuses de trouble, de lutte et de paradoxe.

L’exposition est complétée par un volume craquelé évocateur des motifs du dialogue Noui : tension, résistance, fissuration, sécheresse.

Elsa Ferry

La souplesse et la flexibilité, mais aussi l’inconstance et l’instabilité ; le talent de se créer une nouvelle apparence, mais aussi le génie de s’en défaire ; la capacité métamorphique par excellence.
(Catherine Malabou, La plasticité)

L’exposition Chubby club est pensée par l’artiste et commissaire d’exposition Clélia Berthier qui fait de la nourriture et de l’organique ses médiums de prédilection. Chubby signifie potelé, joufflu. Des qualificatifs qui caractérisent les formes rondes et pleines des œuvres qu’elle présente à l’Atelier 8. Particulièrement inspirée par les thèmes du repas, de la digestion et de l’estomac, Clélia Berthier a rassemblé quelques unes de ses pièces en dialogue avec celles de Pierre Boggio, Marine Brosseau, Clovis Deschamps Prince, Planète Copains, Michaela Sanson-Braun, Dārta Sidere, Loona Sire et Alban Turquois pour un grand festin hybride.

Dès l’entrée, les sens sont saisis par les odeurs de friture et de brûlé. Des chips de riz et des objets sont disposé.e.s sur une table de banquet en fer à béton et un plateau en croûte de sel brûlé. Alban Turquois propose notamment de servir un cocktail dans des peaux d’orange séchées, le tout sur un tablier alvéolé en silicone. Le service de cuillères en céramique de Pierre Boggio se mélangent aux cuillères de Clovis Deschamps Prince remplies d’écumes de pain grillé. La plus grande d’entre elles, posée à l’extrémité d’une table, contient pour sa part du beurre qui sert à agrémenter le pain fougasse suspendu par une chaîne. Au sein de cette dynamique de partage où chacun.e est invité.e à déchirer, à même la structure, un morceau de ce pain brioché, Planète Copains, lui, a imaginé Le Solitaire, un minuscule barbecue pour une mono-saucisse de six mètres de long réchauffée et offerte lors du vernissage. Proches des repas organisés en galeries et musées par Rirkrit Tiravanija (né en 1961), c’est finalement la relation qui est à l’œuvre.

Mais ne nous y trompons pas complètement, la convivialité du repas côtoie parfois le dégoût et le repoussant, l’attirance et la répulsion, une esthétique particulièrement saisissante qui rejoint celle de Martin Parr (né en 1952) dans sa série photographique, Des Goûts. Environnant cette curieuse tablée, des œuvres à l’esthétique informe attirent l’attention : la Serpentine de Dārta Sidere ressemble à un intestin et a été dissoute, « digérée », par un produit abrasif. Le mur de Clélia Berthier crée matériellement la confusion : barbe à papa, laine de verre isolante, fragment de chaire ou paroi de
l´organisme ? Exposé tel un trophée, le curieux sandwich au pâté de Michaela Sanson-Braun, réalisé à partir de tranches de pain de mie et d’un socle en marbre, joue avec humour de la fast food et des matériaux nobles.

Le vernissage sert d’instant décisif à la vie de l’exposition Chubby club qui en gardera les traces, les vestiges. Là où la pratique voulait que les artistes enduisent leurs peintures d’une couche de vernis la veille de l’ouverture au public, Clélia Berthier, elle, a enveloppé la photographie d´un ventre réalisée par Loona Sire et un rideau en fibre de verre, d’une couche de riz soufflé suintante, ainsi que des gobelets coniques avec de la cire d’abeille. À plusieurs reprises, elle plonge aussi ses chips dans la friture. L’artiste, tout en s’amusant des réactions physico-chimiques de ses matériaux, cherche à créer une cuisine libre. A l’image de son mur de pain cuit piégé et débordant des alvéoles de brique, ces installations créent la confusion entre le consommable et l’œuvre, entre la dégustation et la tentation.

Les sculptures témoignent d’une recherche plastique accidentelle souvent effectuée par un processus de cuisson. A la fois repas au restaurant, offrande et geste créateur, l’exposition et les œuvres évoluent sans cesse, avec surprise. Ces rencontres matérielles, choisies pour leurs capacités polymorphiques, sont le lieu de transformation ou de transmutation. L’animation de Marine Brosseau en est un bon exemple : s’inspirant du rôle précieux des abeilles ventileuses lors de l’élaboration du miel, la vidéo est projetée sur une surface de cire, sur laquelle repose… un tas de miel. À déguster, bien entendu.

Reprenant la notion de « moment de forme » d’André Souris, ces œuvres se créent par leur activation et ce, chaque jour d’ouverture. Elles disparaissent, mangées ou bues, pour s’achever inévitablement dans la digestion. Tout est affaire de corps : cycle et mue, enveloppe et peau, plasticité et viscères. On sent poindre l’influence post-minimaliste de l’artiste Eva Hesse (1936-1970), allant d’excroissances en excroissances. Clélia Berthier nous montre notre intérieur et la façon dont, quelque part, nous nous mangeons soi-même.

Finalement, tous ces moments de forme, de partage et de rencontres entre les matières, le public et la nourriture, sont les prétextes à cette fabuleuse chose de la vie : manger.

Un texte d’Adélie Le Guen

Les écoles ayant accueillies de ces ateliers sont l’école Fellonneau et l’école Gustave Roch, dans le cadre de l’EAC ville de Nantes.

« Le Nord-Ouest est l’indication cardinale du soleil couchant au solstice d’été. Repère temporel de la mi-année, le titre de cette exposition vient comme un marque page, glissé entre jour et nuit. Une carte postale un peu surannée qui nous expédierait dans une brèche de temps. S’étirant d’entre des antagonistes, de la lumière et de l’ombre. Telle une photographie en noir et blanc dont on aurait trop poussé les contrastes, pour laisser la place à des tonalités assourdies. Les mots du féminin s’y déploieraient. Activités entre négatif et positif comme les valeurs intermédiaires d’un clair obscur. Et le rouge, ardent, viendrait comme un signe de ponctuation. Respiration fugace. Entre la ligne et le point. » C.B.

LES MOTS EXISTENT.

Les mots sont très présents dans le travail de Caroline Bron et y endossent plusieurs statuts. Qu’ils soient issus d’écritures libres demandées à des connaissances autour de son projet d’exposition, de textes poétiques ou de ceux écrits au dos d’une carte de vacances, discrètement, l’artiste réactive ces paroles perdues ou censurées dans ses performances et ses sculptures. Pourtant, les phrases citées sont rarement totalement lisibles : l’artiste ne restitue pas des idées, elle rend leur existence manifeste. Devenues objets, mises en sculptures, elles surgissent par bribes, investissent l’espace en nuées et en fils immenses, comme suggérant leur lecture empêchée. La mémoire et l’oubli irriguent son travail. S’il est le plus souvent en noir et blanc, c’est pour mieux évoquer la dualité du souvenir, à la fois présence et disparition. La plupart du temps, ses pièces prennent pour point de départ une forme, trouvée, dont elle effectue un moulage ou un recouvrement avec du plâtre. Ces traces de vécu, auxquelles on ne prête plus tellement attention, perdues dans les méandres du temps et sous l’accumulation des objets, deviennent entre ses mains des supports narratifs.

Quand le jour est sur le point de disparaître et que la nuit arrive, de quoi peut-on être sûr? Se glissant dans cette interstice, l’exposition ouvre un entre-deux. Entre rêve et réalité, entre histoire entendues et collages imaginés, une nouvelle narration prend forme. Nous sommes dans le domaine de la fiction, comme en témoigne la chaise de scénariste de l’installation Le Mot tire double. Un univers où les histoires ne demandent qu’à prendre la forme que nous voudrons leur donner. Le pistolet dissimulé parmi les pelotes est-il chargé ? Parviendra-t-on à retrouver les idées des philosophes grecques censurées ? Des jarres entrouvertes, on ne sait pas si les mots- pulsation des poétesses beatniks s’échappent ou s’ils vont bientôt se rétracter comme le génie de la lampe. Le corps lui-même est poétique, matériellement absent mais partout suggéré.

Au sein de cet univers fictionnel, le plâtre est le matériau de prédilection. Utilisé aussi bien par les artistes que par les archéologues, il renvoie à l’empreinte, notion qui traverse la pratique de Caroline Bron. Il permet d’inventorier les formes mais aussi de les combiner pour créer nouveaux sens ou anachronismes. Aussi figé que fragile, il est l’agent d’une muséification précaire. Il préserve sa forme et son existence mais peut s’émietter à tout moment. À moins que l’objet qu’il renferme n’ait déjà disparu ? Car le plâtre matérialise, aussi, le passage du temps. Il témoigne de son modèle autant qu’il en révèle l’absence.

Par ses action de préservation ou d’altération, Caroline Bron souligne à la fois la menace permanente de la perte et l’infinité des existences possibles.

Pascaline Vallée

Ayant fait une partie de ses études en Irlande, l’artiste Bettina Saroyan a proposé un atelier pédagogique aux couleurs du folklore gaélique pour célébrer Halloween avec des collégiens de l’école Rosa Parks, Clisson.

Samhain est une fête païenne celtique qui célèbre la fin des récoltes et le début de l’hiver. Largement célébrée en Irlande et Écosse, elle donne naissance par amalgame à Halloween. D’une durée originelle d’une semaine, elle s’accompagne de plusieurs manifestations folkloriques comme la pêche aux pommes, la dégustation de noisettes, le déguisement et les feux de joie.

Au programme de la teinture végétale (betterave, oignons, noix) de fibres naturelles (coton, lin, soie, etc le plus possible récupérées), le tissage d’un masque avec ces mêmes fibres et des lianes pour se fondre parmi les Aos Si (‘esprits et fées’) qui débarquent pendant la période de Samhain. Puis la découverte de la culture gaélique et irlandaise, de son vocabulaire et des mots anglais, et enfin la mise en scène en vidéos, photos, défilé ou feu de joie comme le veut la tradition.

Ces ateliers sont réalisés dans le cadres des EAC département.