"Nouveaux territoires et paysages ressentis", un atelier d'éducation artistique et culturelle par Matthieu Husser • Bonus

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Médiation

01.04.22

école élémentaire Léon Say 34 rue léon say 44000 Nantes

CM2 organisé par collectif bonus encadré par Matthieu Husser

« Nouveaux territoires et paysages ressentis », un atelier d’éducation artistique et culturelle par Matthieu Husser

Matthieu Husser et la classe de CM2 de l’école Léon Say ont réalisé une carte du quartier Hauts-Pavés Saint Félix, une carte de l’environnement immédiat de l’école. Ce projet plastique à permis aux élèves de représenter et faire apparaitre des souvenirs, des éléments urbains importants du point de vue de (…)

Matthieu Husser et la classe de CM2 de l’école Léon Say ont réalisé une carte du quartier Hauts-Pavés Saint Félix, une carte de l’environnement immédiat de l’école.
Ce projet plastique à permis aux élèves de représenter et faire apparaitre des souvenirs, des éléments urbains importants du point de vue de leur vécu autour de l’école. L’intérêt de ce projet a été de créer une oeuvre collective, participative, à travers l’expérience de chacun dans son propre quartier. La création de cette carte a également permis aux élèves de se situer dans le quartier, en relevant et partageant leurs principaux repères, qu’ils soient d’ordre architectural ou liés à un événement plus personnel.

Ces ateliers pédagogiques ont été réalisés dans le cadre des EAC ville de Nantes.

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Exposition

28.11.23 — 01.12.23 15h-19h

le Grand Huit (en face de la grue jaune) 36 mail des chantiers 44200 Nantes

tout public encadré par le Collectif Bonus

Exposition « À peine tangible » de Léa Dervieu Lachaud et Lila Garret

Un projet dans le cadre du partenariat entre Bonus et l’Ecole des Beaux-Arts de Nantes-Saint-Nazaire. Léa Dervieu Lachaud et Lila Garret ont été sélectionnées au terme de leur diplôme de M2 pour réaliser une immersion professionnelle dans les ateliers de Bonus. Pendant deux mois, toutes deux se sont installées sur les (…)

Un projet dans le cadre du partenariat entre Bonus et l’Ecole des Beaux-Arts de Nantes-Saint-Nazaire.
Léa Dervieu Lachaud et Lila Garret ont été sélectionnées au terme de leur diplôme de M2 pour réaliser une immersion professionnelle dans les ateliers de Bonus. Pendant deux mois, toutes deux se sont installées sur les sites de Félix Thomas et l’Îlot des Îles, découvrant un nouveau rythme de travail au sein d’ateliers collectifs, découvrant le réseau d’artistes professionnels travaillant à Bonus. Cette immersion dans un espace de travail professionnel se termine par une exposition restitution du travail réalisé pendant ces deux mois de résidence « À peine tangible ».

Narrer ou effacer la fiction ? Ces deux artistes nous proposent leurs visions sur le monde qui les entourent et plus précisément sur leurs rapports aux paysages et comment celui-ci devient un espace de fiction.
Pour Lila Garret il s’agit d’un geste, celui du stylo qui en traçant emmène le regard, trouble et déforme la scène. Pour Léa Dervieu Lachaud l’image est un espace dans lequel nous projetons toutes sortes de sentiments et de réflexion créant ainsi des récits intérieurs.
Les structures métalliques appartiennent pour l’une à Lila et pour l’autre à Léa. Lors de cette exposition, elles ont décidées de les rejouer afin qu’elles deviennent un moyen de faire le lien entre leurs deux pratiques distinctes. Comme des vertèbres, ces structures permettent aux oeuvres de se rassembler et de se mélanger dans unjeu de transparence et de superposition. Ces installations créent ainsi de nouveaux paysages et de nouvelles images au sein de l’espace d’exposition.

Exposition du 28 novembre au samedi 2 décembre.

Vernissage lundi 27 novembre à 18h30.

Ouverture du mardi au samedi, de 15h00 à 19h00.

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Annonce

Publiée le 17.11.2023

Bonus recrute un.e chargé.e d’administration et de communication en CDD.

> En savoir plus

Nous recrutons un.e chargé.e d’administration et de communication en CDD.

CDD d’un an renouvelable en CDI (le poste étant potentiellement voué à se modifier à terme).

30heures semaine.

Salaire : 1755 euros brut. 1389 euros net.

Date limite de candidature : le 12 décembre 2023.

Entretiens début-mi janvier 2024.

Prise de poste le 22 janvier 2024 avec une période de passation du 22 au 31 janvier 2024.

Fiche de poste :

Administration :

→ les relations avec les artistes et les associations usagères des trois sites pour la rédaction des baux, des conventions, veille souscription assurances des usagers…
→ suivi des contributions financières des usagers ;
→ suivi du budget de l’association, préparation des budgets prévisionnels en vue des demandes de subventions ;

→ la saisie comptable et la préparation des bilans avec l’expert comptable
→ suivi comptable des projets fléchées de l’association (projets artistiques, résidences, projets pédagogiques…) ;
→ relation avec les administrations, banque, assurance…
→ suivi de facturation du pôle print ;
→ gestion des ressources humaines (rédaction des contrats de travail, suivi des fins de contrats, relation à l’URSSAF, déclaration des feuilles de salaires, suivi des plannings des salariés, suivi des congés payés et congés spéciaux, demandes de chômage partiel, relation à la mutuelle des salariés, retraites complémentaire, organisme de formation, démarches Service civique…) ;
→ suivi des cotisation de l’association ;
→ rédaction des comptes rendus de réunion ;

Communication :

→ gestion et animation des contenus en ligne (site web, réseaux sociaux, référencement google) ;

→ veille et diffusion de l’actualité des artistes usagers, associations, clients et structures partenaires de Bonus ;
→ écriture et publication de la newsletter ;

→ suivi et communication de la programmation de l’espace d’exposition le Grand Huit, en relation avec les artistes y proposant des projets ;
→ diffusion de l’actualité associative auprès des professionnels des arts visuels au niveau local, départemental, régional… ;

→ lien avec la presse ;
→ prise de vue des expositions au Grand Huit avec le renfort du.de la volontaire en service civique ;

Relation avec les publics :

→ coordination du planning de médiation auprès des publics lors des expositions au Grand Huit ou lors de projets hors les murs ;
→ réponse aux demandes d’informations des publics ;
→ encadrement des stagiaires et services civiques pour les missions de médiation.

Missions partagées en équipe :

→ relation au graphiste ;
→ prises de vue des événements de Bonus ;
→ rédaction des appels à projets et candidatures ;
→ élaboration des dossiers de demande de subvention ;
→ accueil des partenaires et du public sur les deux sites ;
→ préparation des réunions de la direction collégiale, des assemblées générales, diffusion des informations aux membres de la direction collégiale, aux adhérents ;
→ suivi de la programmation des expositions au Grand Huit ;
→ participation aux temps de rencontre avec les partenaires publics et privés ;

Pour candidater, envoyez un CV et une lettre de motivation à l’adresse : administration@collectifbonus.fr .

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Médiation

14.09.23 — 30.09.23

Le Grand Huit en face de la grue jaune 36 mail des chantiers 44200 Nantes

tout public encadré par Le collectif Bonus

Texte pour l’ exposition « Filer la ligne » de Charlotte Barry

Un couple entre dans une galerie « On voit s’esquisser quelque chose qui ressemble à une silhouette de montagnes, ou à des ondulations1 ; on pense aussi à un sentiment fugace qui se perd parmi tant d’autres, constamment sollicité-e-s par des messages et appels comme nous le sommes très souvent (…)

Un couple entre dans une galerie

« On voit s’esquisser quelque chose qui ressemble à une silhouette de montagnes, ou à des ondulations1 ; on pense aussi à un sentiment fugace qui se perd parmi tant d’autres, constamment sollicité-e-s par des messages et appels comme nous le sommes très souvent au jour le jour, tu vois ? Est-ce qu’à travers les œuvres brodées de Charlotte Barry nous pouvons apercevoir notre propre paysage intérieur défiler dans le tracé de ces points, si soigneusement et systématiquement introduits, guidés par l’aiguille qui voyage à travers la surface souple de la toile ?

– Il va falloir trancher : s’agit-il d’une vue intérieure ou d’une fenêtre vers l’extérieur ? Un paysage montagneux ou un autoportrait ? Veux-tu dire que ça pourrait être les deux en même temps ?

Bon, réfléchissons un peu : que signifie le fait de dessiner à l’aide d’un fil ? Nous pourrions citer par exemple le point de croix, ou encore le tricot ou encore le crochet. Ça me rappelle des souvenirs d’enfance, quand je me posais dans la cour de récré pour tisser des bracelets d’amitié que j’accrochais au genou de mon jean troué, ça fait un bout de temps, maintenant… Et ensuite, il y a l’artiste américaine Lenore Tawney qui travaillait avec des textiles, en développant une technique de tissage ouvert qui faisait gondoler le support : force et fragilité à la fois. Agnes Martin, qui dessinait elle aussi des lignes, mais en peinture, était une amie intime de Tawney pendant ces années à New York quand l’expressionnisme abstrait prônait une masculinité toxique. Ces deux femmes, avec d’autres acteurs et actrices de la scène ont cultivé un microcosme foisonnant qui a fleuri discrètement dans l’ombre d’artistes de renom et qui ont rapidement reçu l’approbation du marché de l’art.2

– Je me demande si nous ne sommes pas en train de perdre le fil, là.

Et alors ? Que risquons nous en se promenant un peu dans l’histoire de l’art ? Après tout, ne sommes-nous pas venus ici pour flâner ensemble parmi ces formes, assumant le risque que représente l’errance ? Il me semble que c’est François Rouan qui a dit que la peinture commence précisément là où on l’on perd le fil.

– Ah mais tu évoques encore un nom de peintre — c’est pour dire que c’est de la peinture que nous voyons là ? Alors là nous ouvrons carrément la boîte de Pandore.
– Tu tergiverses, on dirait.

Je dirais qu’il serait dommage de repartir d’une expo sans se poser de question, autant pour l’artiste que pour le spectateur. Être en relation avec une œuvre, c’est la questionner. Par exemple, as-tu remarqué comment cette série donne envie de se rapprocher ? On se demande s’il s’agit d’une sérigraphie ou d’un dessin. Ainsi, le spectateur se retrouve à devoir s’approcher afin d’élucider le mystère.

– C’est à dire que tu penses que ça n’est ni l’un ni l’autre ?
Viens on continue ; il y a vraiment pas mal de choses qui se passent ici. Le langage est minimal, restreint. Les

matériaux sont multiples, plutôt naturels : il y a de la toile de jute, de la laine, du papier, du bois…

– parfois avec de l’acier et du plastique

C’est juste. Je me souviens de ces œuvres réalisées in-situ, comme cette série de wall-drawings ou bien cette installation éphémère3 réalisée pour La Poste pendant le Covid. L’artiste dit à ce propos : « Le rythme et la tension des lignes provoquent une vibration. L’installation modifie notre perception, interroge notre point de vue et invite au déplacement. » Sans la présence du spectateur, ces œuvres tendent à perdre leur raison d’être. Ainsi, cette présence devient un élément clé pour ces pièces en particulier. Elles sont vraiment pensées pour être vécues.

– et puis le temps est important aussi, sans doute ?

En effet. Il y a plusieurs séries assez directement liées au temps ; elles rassemblent et mettent en relation des moments à priori complètement distincts. Dans ces séries, le temps est ce qui permet que chaque tracé de ligne se dessine et se déplie petit à petit, nous pouvons suivre son parcours dans un moment méditatif de réflexion.

– Comme se regarder dans un miroir ?

Je pense que c’est plutôt comme si le temps s’arrêtait ; un moment où nous nous plongeons dans un instant de réflexion malgré le monde qui tourne autour de nous à pleine vitesse ; comme si nous pouvions arrêter la machine pour accéder à des sensations nouvelles. Une sorte de parenthèse sensible. Et si les vibrations que l’artiste mentionne pouvaient en effet déclencher une réaction à l’intérieur du spectateur à travers une combinaison de couleurs, de mouvements, et des relations établies entre les formes ?

– Bon, j’ai l’impression que tu me fais le résumé d’un film de science fiction

Plutôt un labyrinthe ?

– (…)

Ou un monde d’entre-deux ! Comme dans le titre de cette série : « Entre-deux ». C’est un état de transition, comme ces deux formes qui se fondent l’une dans l’autre : elles s’entrecroisent et deviennent quelque chose de nouveau — un être hybride. La rencontre flotte sur un champ fluo, dans une intensité de glissement vers…

– Moi je me demande si ces formes ne sont pas plutôt en train de se séparer, en fait.

Hmm, je dirais que ça fait partie de ce flottement, cette incertitude. Comme avec le titre, ‘Filer la ligne’, c’est ouvert à interprétation, non ? Filer la ligne, ça sonne un peu comme une phrase qui me serait venue dans un rêve et dont j’ai oublié le sens, mais que j’ai très envie de retrouver. Je passe tout le rêve comme ça, à chercher, à essayer de retrouver le sens caché de ces mots. Un tracé qui revient sur soi, se reprend, comme dans la broderie.

– Celle-ci me fait presque penser à des peintures de Mondrian que j’ai vues récemment.

Pourquoi pas, mais je ne suis pas certaine que son idée moderniste de ‘relations pures’ s’applique vraiment à la pratique de Charlotte Barry. Le métier à tisser contre le mur, par exemple, qui peut évoquer un sommier, mobilier du sommeil. Nous sommes sur le territoire de l’intime, de la domesticité. Ces formes minimalistes et multiples cherchent à nous faire ressentir plutôt que de parler d’elles-mêmes, elles déconstruisent l’abstraction, pour ainsi dire. Et puis, peut-être encore à chercher la transcendance, si nous nous référons au titre de cette pièce de 2017, Horizon.

L’instabilité immanente de certaines œuvres nous rappelle que la plupart des objets et des situations sont prises dans un processus d’évolution incessant. Des peintures deviennent des sculptures, des sculptures deviennent des objets déclencheurs de mouvement, et des objets du quotidien peuvent se délester de leur poids émotionnel pour devenir plus légers, plus souples, plus poétiques. La mutabilité donne également un sentiment d’espoir, comme si en suivant ce fil, comme Ariane, nous pouvions sortir du labyrinthe. Et puis au-delà des murs…

– se trouverait ce verre de vin que j’attends de boire avec toi ! Après tout, elle se mettra en couple avec Dionysos, n’est-ce pas ? Enfin, ta métaphore me semble un peu bancale. On y va ? »

Le couple sort de la galerie, main dans la main.

Cynthia Gonzalez-Bréart

1 « Canevas », 2023
2 Voir PEIFFER, Prudence « The Slip : The New York City Street That Changed American Art Forever”, 2023 (Harper)

3 Station, (2021)

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Rencontre/conférence

16.11.23

Bonus - Félix Thomas 39 rue Félix Thomas 44000 Nantes

organisé par SNAP CGT

L’art de vivre de l’art

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Exposition

17.11.23 — 10.12.23

Le Bocal Ateliers de Bonus - Dalby (visible de la rue) 17 boulevard Dalby 44000 Nantes

Tout public encadré par le Collectif Bonus

Exposition « Peintoche fever »

« Peintoche Fever est une exposition collective de Anne Derivière, Rémy Drouard, Jule Faye, Thomas Malenfant, Corentin Massaux et Bérénice Nouvel, artistes actuellement résident·es aux ateliers Bonus – Dalby. Peintoche Fever, c’est un appel à toutes les peintures, celles qui collent aux doigts, celles qui glissent sur la vitre, celles qui (…)

« Peintoche Fever est une exposition collective de Anne Derivière, Rémy Drouard, Jule Faye, Thomas Malenfant, Corentin Massaux et Bérénice Nouvel, artistes actuellement résident·es aux ateliers Bonus – Dalby.

Peintoche Fever, c’est un appel à toutes les peintures, celles qui collent aux doigts, celles qui glissent sur la vitre, celles qui tiennent pas, celles qui tiennent bien, celles qui tombent du mur, celles qui en font partie tout à fait, celles qui sont bien accrochées, celles qui oublient leur ceinture de sécurité, celles qui se cachent derrière le rideau, celles qui font leur coming-out, celles qui montrent leurs derrières, celles qui sont trop maquillées, celles qui sont sans saveur et celles qui en ont beaucoup trop, celles qui s’étalent au rouleau et celles qui s’étalent au pinceau, celles qui s’étirent mal et celles qui s’en tirent bien, celles qui sont en forme et celles qui sont malades, celles qui ont de la fièvre et qui sont tellement chaudes que ça nous fait transpirer quand on s’approche un peu trop près. »

Exposition visible du 17 novembre au 10 décembre.

Vernissage le 17 novembre à partir de 18h30.

Le bocal est visible depuis la rue.

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Non classé

04.10.23 — 29.10.23

Nantes

Bonus, par Antoine Denoual

Bonus, photographie issue de la série « Tangram » réalisée par Antoine Denoual dans le cadre du WAVE 2023, la biennale des arts visuels de la Ville de Nantes.

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Rencontre/conférence

13.10.23 16:00 - 20:00

Bonus - Dalby 17 boulevard Dalby 44000 Nantes

tout public encadré par collectif bonus

Portes ouvertes des ateliers de Bonus – Dalby

Les ateliers de Bonus – Dalby ont ouvert leurs portes en juin 2023. Le mois du WAVE est l’occasion d’ouvrir les portes de ce nouveau site pour la première fois. L’ouverture du 13 octobre prochain sera l’occasion d’échanger avec les artistes résident.e.s et de visiter leurs ateliers. Les artistes résident.e.s (…)

Les ateliers de Bonus – Dalby ont ouvert leurs portes en juin 2023. Le mois du WAVE est l’occasion d’ouvrir les portes de ce nouveau site pour la première fois. L’ouverture du 13 octobre prochain sera l’occasion d’échanger avec les artistes résident.e.s et de visiter leurs ateliers.

Les artistes résident.e.s à Dalby sont : Corentin Massaux, Céleste Richard Zimmermann, Thomas Malenfant, Jodie Camus, Violette Vigneron, Antoine Caclin, Bérénice Nouvel, Emmanuel Béranger, Tanguy le Boubennec, Jule Faye, Anne Derivière, Inès Elichondoborde, Aline Brugel, Rémy Drouard, Lucas Seguy, Antoine Denoual, Alice Nicolas et le collectif Impressions mutantes.

Avis aux curieux.e.s, on vous attends nombreux.se.s et on a hâte de vous rencontrer.

! La jauge sur place est limitée !

Design graphique : Marion l’Helguen & Zoé Lecossois

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Exposition

07.10.23 — 28.10.23 15:00 - 19:00 du mercredi au samedi

le Grand Huit (en face de la grue jaune) 36 Mail des Chantiers 44200 Nantes

tout public encadré par collectif bonus

Exposition collective « Les oies sauvages »

L’oie, l’hôtel, le labyrinthe, le jeu de dé, autant d’images qui composent l’imaginaire de la programmation pensée par les artistes du collectif Bonus. L’exposition collective au Grand Huit, intitulée « Les oies sauvages » incarne dans sa scénographie le plateau de jeu à construire et explorer à plusieurs. Les oies (…)

L’oie, l’hôtel, le labyrinthe, le jeu de dé, autant d’images qui composent l’imaginaire de la programmation pensée par les artistes du collectif Bonus. L’exposition collective au Grand Huit, intitulée « Les oies sauvages » incarne dans sa scénographie le plateau de jeu à construire et explorer à plusieurs.

Les oies sauvages est une exposition collective réunissant : Julien Go, Caroline Bron, Michaela Sanson Braun, Léa Viretto, Sophie Keraudren-Hartenberger, Elsa Ferry, Florinda Daniel, Aurélie Sicas, Antoine Denoual , Anaïs Lapel, Matthieu Husser, Lila Lou Séjourné, Cassandre Fournet, Elise Hallab, Benoît Travers, Charlotte Barry, Elise Legal, Wilfried Nail , Louise Porte, Clélia Berthier, Raphael Zamora, Laurence Broydé, Meg Boury, Charlotte Caron, Frédrik Odenius, Igor Porte, Camille Orlandini, Clément Vinette, Céleste Richard Zimmermann, Louise Guerre.

Commissariat et scénographie : Lila Lou Séjourné, Louise Porte, Clélia Berthier, Antoine Denoual, Meg Boury.

Design graphique : Marion l’Helguen & Zoé Lecossois

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Rencontre/conférence

20.10.23 — 21.10.23 10:00 - 18:00

Bonus - Félix Thomas 1er étage du pôle associatif Félix Thomas 39 rue Félix Thomas 44000 Nantes

tout public encadré par Collectif bonus

Portes ouvertes des ateliers de Bonus – Félix Thomas et Tombola fiesta

Les 20 et 21 octobre de 10h à 18h, place aux portes ouvertes de Bonus – Félix Thomas. Venez découvrir le site de Félix Thomas pour échanger avec les artistes résident.e.s, découvrir leurs ateliers et le Pôle Print. La journée du 21 octobre se terminera par la »Tombola fiesta de (…)

Les 20 et 21 octobre de 10h à 18h, place aux portes ouvertes de Bonus – Félix Thomas. Venez découvrir le site de Félix Thomas pour échanger avec les artistes résident.e.s, découvrir leurs ateliers et le Pôle Print.

La journée du 21 octobre se terminera par la »Tombola fiesta de Bonus » à partir de 18h30. A gagner : diverses pièces, prints et des surprises tout droit sorties des ateliers des artistes résident.e.s sur les trois sites de Bonus.

Les artistes résident.e.s à Félix Thomas sont : Raphael Zamora, Elise Legal, Anais Lapel, Julien Go, Michael Sanson-Braun, Louise Porte, Clélia Berthier, Lila Garret….

Avis aux curieux.ses, on a hâte de vous y rencontrer et d’échanger avec vous.

Design graphique : Marion l’Helguen & Zoé Lecossois

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Rencontre/conférence

06.10.23 — 07.10.23 10:00 - 18:00

Bonus - Îlot des Îles (en face de la grue jaune) 36, 42 Mail des Chantiers 44200 Nantes

tout public encadré par le collectif Bonus

Portes ouvertes des ateliers de Bonus – Îlot des Îles

! Portes ouvertes ! Les 6 et 7 octobre de 10h à 18h, nous avons le plaisir de vous inviter à découvrir le site d’ateliers de l’îlot des Îles lors de portes ouvertes. Au programme, découverte des ateliers des artistes résident.e.s tel.le.s que Wilfried Nail, Louise Guerre, Matthieu Husser, Elsa (…)

! Portes ouvertes !

Les 6 et 7 octobre de 10h à 18h, nous avons le plaisir de vous inviter à découvrir le site d’ateliers de l’îlot des Îles lors de portes ouvertes.

Au programme, découverte des ateliers des artistes résident.e.s tel.le.s que Wilfried Nail, Louise Guerre, Matthieu Husser, Elsa Ferry, Igor Porte, Justin Weiler, Caroline Bron, Laurence Broyde, Charlotte Barry, Lila Lou Séjourné, Cassandre Fournet et Sophie Keraudren-Hartenberger…

Venez nombreux.se.s, on a hâte de vous rencontrer pour un temps d’échange convivial.

Design graphique : Marion l’Helguen & Zoé Lecossois

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Exposition

06.10.23 — 28.10.23

Les trois sites d'ateliers du collectif Bonus ! 44000 Nantes

Tout public organisé par Le collectif Bonus

Le mois du WAVE à Bonus

C’est parti pour un mois d’octobre de folie à Bonus ! Dans le cadre du WAVE, la biennale des arts visuels de Nantes, nous vous proposons un mois riche en temps forts, placés sous la ligne conductrice du jeu de l’oie à Bonus. L’oie, l’hôtel, le labyrinthe, le jeu de (…)

C’est parti pour un mois d’octobre de folie à Bonus !

Dans le cadre du WAVE, la biennale des arts visuels de Nantes, nous vous proposons un mois riche en temps forts, placés sous la ligne conductrice du jeu de l’oie à Bonus.

L’oie, l’hôtel, le labyrinthe, le jeu de dé, autant d’images qui composent l’imaginaire de la programmation pensée par les artistes du collectif Bonus. Chaque site d’atelier se propose comme case étape au sein du mois d’octobre. L’exposition collective au Grand Huit, intitulée « Les oies sauvages » incarne dans sa scénographie le plateau de jeu à construire et explorer à plusieurs.

// La programmation //

06/10 – Vernissage de l’exposition collective « Les oies sauvages ». Le Grand Huit, Bonus – Îlot des Îles, à partir de 18h30.

07/10 -> 28/10 – Exposition collective « Les oies sauvages ». Ouverte du mercredi au samedi, de 15h à 19h. le Grand Huit, Bonus – Îlot des Îles. Avec : Julien Go, Caroline Bron, Michaela
Sanson Braun, Léa Viretto, Sophie Keraudren-Hartenberger, Elsa Ferry, Florinda Daniel,
Aurélie Sicas, Antoine Denoual, Anaïs Lapel, Matthieu Husser, Lila Lou
Séjourné, Cassandre Fournet, Elise Hallab, Benoît Travers, Charlotte Barry, Elise Legal,
Wilfried Nail, Louise Porte, Clélia Berthier, Raphael Zamora, Laurence Broydé, Meg Boury,
Charlotte Caron, Frédrik Odenius, Igor Porte, Camille Orlandini, Clément Vinette, Céleste
Richard Zimmermann, Louise Guerre. Commissariat : Lila Lou Séjourné, Louise Porte, Clélia Berthier, Antoine Denoual, Meg Boury.

06/10 & 07/10 – Portes ouvertes des ateliers de Bonus – Îlot des Îles. 10h – 18h.

13/10 – Portes ouvertes des ateliers Bonus – Dalby. 16h – 20h.

20/10 & 21/10 – Portes ouvertes des ateliers de Bonus – Félix Thomas. 10h – 18h.

21/10 – Tombola Fiesta sur le site de Bonus – Félix Thomas, à partir de 18h30. Les tickets de tombola seront à vendre tout au long du mois dans l’espace d’exposition du Grand Huit.

Venez jouer avec nous 🙂

Bonus – Félix Thomas : 39 rue Félix Thomas, Nantes

Bonus – Îlot des Îles : 36-42 Mail des Chantiers, Nantes.

Bonus – Dalby : 17 boulevard Dalby, Nantes.

Design Graphique : Marion l’Helguen et Zoé Lecossois

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Rencontre/conférence

20.09.23 à partir de 18h30

Bonus, Félix Thomas à l'étage du pôle associatif Félix Thomas 39 rue Félix Thomas 44000 Nantes

Tout public organisé par Le Collectif Bonus encadré par le Collectif Bonus

Présentation publique – À la rencontre de Claire Amiot, Lucie Bedu, Lila Garret et Léa Dervieu.

Nous vous invitons dans nos locaux de Félix Thomas, le 20 septembre prochain à 18h30, pour une soirée dédiée aux artistes Claire Amiot, Lucie Bedu, Lila Garret et Léa Dervieu. Pendant cette soirée, les quatre artistes partageront des retours d’expériences sur les formats de résidences qu’elles expérimentent ou ont expérimenté (…)

Nous vous invitons dans nos locaux de Félix Thomas, le 20 septembre prochain à 18h30, pour une soirée dédiée aux artistes Claire Amiot, Lucie Bedu, Lila Garret et Léa Dervieu.

Pendant cette soirée, les quatre artistes partageront des retours d’expériences sur les formats de résidences qu’elles expérimentent ou ont expérimenté dans le cadre des programmes de partenariats de Bonus.

Claire Amiot débutera ce temps d’échange en nous faisant une restitution de sa résidence au sein de Beppu Project au Japon. Cette résidence s’est déployée en juillet dans le cadre d’un partenariat entre le collectif Bonus et Beppu Project, et ce dans la perspective d’un échange à l’internationale, avec le soutien de la Ville de Nantes et de l’Institut Français.

Lucie Bedu prendra la suite pour nous parler de son parcours artistique, et de son séjour au sein des ateliers de Bonus, dans le cadre d’un échange avec Espace 29, espace d’exposition et ateliers d’artistes basé à Bordeaux.

Enfin, Lila Garret et Lea Dervieu, récemment diplômées de l’école des Beaux-Arts de Nantes viendront nous présenter leurs pratiques. Bénéficiaires d’un partenariat entre Bonus et l’Ecole des Beaux-Arts de Nantes, les deux jeunes artistes vont partager la vie de nos ateliers pendant deux mois et s’immerger pleinement dans le réseau professionnel nantais des arts visuels.

Image : Claire Amiot en résidence à Beppu, Japon. Photographie de Tomohiro Hanada

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Médiation

12.05.23 — 27.05.23

Le Grand Huit, L'îlot des Îles 36 Mail des Chantiers 44200 Nantes

organisé par Laura Bottereau & Marine Fiquet encadré par collectif bonus

Texte pour l’exposition « Be my ghost » de Laura Bottereau & Marine Fiquet

Cette exposition fait suite à une résidence de recherche menée aux Archives Gaies du Québec (AGQ), à l’automne 2021. Issue de ce temps de travail, Be my ghost associe commissariat d’archives et créations d’oeuvres. Initiant un dialogue posthume, l’exposition propose une immersion subjective, sentimentale et politique à travers les archives (…)

Cette exposition fait suite à une résidence de recherche menée aux Archives Gaies du Québec (AGQ), à l’automne 2021. Issue de ce temps de travail, Be my ghost associe commissariat d’archives et créations d’oeuvres. Initiant un dialogue posthume, l’exposition propose une immersion subjective, sentimentale et politique à travers les archives de Guy Fréchette, poète et photographe québécois, décédé des suites du sida à 43 ans.
Après sa disparition en 1996, ses archives personnelles sont léguées à Jean Logan¹, son premier compagnon. En 2020, ce dernier fait don des documents aux AGQ. L’oeuvre de Guy Fréchette, très peu diffusée, reste aujourd’hui méconnue.

En préparant ce temps de résidence aux AGQ, nous imaginions y déceler quelques invisibles et partions en quête d’archives lesbiennes, systématiquement sous‐représentées dans l’histoire de notre communauté. Croisé au hasard des cartons, le fonds « Fréchette » a bouleversé notre itinéraire de recherche. Be my ghost fait suite à cette rencontre.
Comme toute une généalogie d’auteur·e·s aux voix homosexuelles, queers et dissidentes invisibilisées, l’oeuvre de Guy Fréchette porte des récits qu’il est indispensable de faire circuler. Ces archives continuent de parler ‐ elles témoignent ‐ nous les invitons à ne plus être tues.

« Se souvenir n’est pas un simple acte de la mémoire, on le sait. C’est un acte de création. C’est fabuler, légender, mais surtout fabriquer. C’est‐ à‐dire instaurer. […] l’anglais, à cet égard, permet un joli métaplasme avec le remember qui veut dire se souvenir, mais qui lorsqu’on le scande re‐member, signifie recomposer, remembrer.
Recomposer, reconnecter des morts, certes, mais aussi des récits, des histoires qui les portent, qui se situent à partir d’eux, pour se laisser envoyer ailleurs, vers d’autres narrations qui ‘re‐suscitent’ et qui elles‐mêmes demandent à être ‘ré‐suscitées.’ »²

À TRAVERS LE FILTRE DES ARCHIVES

Guy Fréchette explore le rapport texte‐image en alliant autofiction, prose poétique, manifeste engagé, élégie amoureuse et humeur noire. Ses textes et photographies naviguent entre paysages cinématographiques et dialogues érotiques. Tout aussi crue que sentimentale, son oeuvre est traversée par l’angoisse du sida, la perte et l’abandon. Son écriture incisive offre une plasticité dans le fond comme dans la forme. Guy Fréchette découpe littéralement ses lettres d’amour et ses manuscrits pour inclure leurs fragments à ces fictions intimes.

Les documents qui composent ces archives se situent pour la plupart dans une zone liminaire entre ce qui est écrit pour soi et ce qui est adressé à l’autre. Les discours poétiques de Guy Fréchette sont baignés de récits personnels, ses journaux intimes constituent les cahiers de brouillon de ses recueils. Il semble impossible de tirer une frontière entre ces modes d’écriture, tant leur porosité transparaît. Be my ghost se lit à travers un filtre, celui des archives, qui interroge nombre d’enjeux paradoxaux. Le statut des documents ne permet pas d’affirmer l’achèvement d’une forme, mais plutôt d’en traduire les variations. Semant un flou entre l’ébauche et l’abouti, le poème et la lettre, l’oeuvre et sa documentation, l’exposition rend visible tout en faisant place aux manques.

Be my ghost propose d’apercevoir. Appréhender l’oeuvre de Guy Fréchette implique de prendre en compte son caractère fragmentaire. Certaines traces sur disquettes sont devenues aujourd’hui obsolètes, impossibles à ouvrir, à lire ou restaurer. L’archive compose une matière vivante, capable de s’altérer. Ces disquettes cristallisent une part d’insaisissable, nous rappelant que l’invisibilisation entraîne la perte, et l’absence de transmission entraîne l’oubli. Une photographie de ces objets amnésiques appuie cet effacement.

Étiquetées, Je ne t’ai pas envoyé de lettres… les disquettes deviennent une enveloppe, l’image d’une correspondance fantasmée.

« Certaines de ces technologies contenaient un principe d’obsolescence (…) [elles] n’atteignent plus le seuil minimal du visible ou de l’audible. Ces machines ont pourtant littéralement affecté les arts et l’activisme à la fin du XXe siècle, l’histoire aujourd’hui ne saurait se passer de leurs affects fantomatiques. »³

DES COURRIERS POUR MÉMOIRE

La mise sous pli embrasse l’exposition : be my ghost est pensée au « format lettre »⁴. Les documents se trouvent présentés proportionnellement à cette dimension. Si nous acceptons sciemment la contrainte de retailler nos prises de vues à ce format, c’est qu’il rejoue et affirme un hors‐champ, un point de vue subjectif dans la compréhension des éléments.
L’ensemble fonctionne comme une lettre ouverte, déployant ses ramifications, comme un dialogue épistolaire rempli de souvenirs, une mémoire à partager. Format courrier, l’exposition peut se plier et se loger dans une enveloppe, en attente d’être redéployée.

Guy Fréchette utilise la correspondance comme outil de fiction et de désir. Des lettres, jamais envoyées, tapissent les archives de l’auteur. Certaines resurgissent dans ses textes poétiques, souvent à peine remaniées, si ce n’est par la suppression du prénom du destinataire. Son recueil Je ne t’ai pas envoyé de lettre… porte le titre de ce mode d’écriture.
L’exposition s’ouvre sur ce tapuscrit⁵. Déployé au mur comme un chemin de fer éditorial, ce texte articule un récit central, une colonne vertébrale dont il ne cessera d’expérimenter les mutations. Rédigé entre 1985 et 1995, l’ouvrage incarne une traversée temporelle, une déclaration d’amour autant que sa fuite, une déclamation de doutes acerbes, au pessimisme insolent et terriblement lucide.

Guy Fréchette apprend qu’il est séropositif en 1990. Le virus s’immisce dans son corps et dans son écriture, il traverse et modifie la trajectoire de ses récits et génère une urgence. Cette torsion dans la temporalité marque irrémédiablement son langage. Je ne t’ai pas envoyé de lettre… en est empreint. Le sida ne constitue pas le sujet du recueil, comme il ne forme pas le sujet de l’exposition : le sida contamine le sujet.
Be my ghost ne s’installe pas dans la chronologie rigoureuse d’un « avant » et d’un « après » virus, invitant à penser le sida dans une temporalité politique qui se poursuit au présent.

DES DIALOGUES EN SURIMPRESSION

Joignant les époques, différents modes d’échanges ponctuent l’exposition. Retranscrits sous forme de fiches d’emprunts de bibliothèque, aussi appelées « fiches fantômes », des conversations annexes s’inscrivent comme des indices à relier. Transmissions orales, mails, screenshot sérendipien⁶ et monologues intimes extraits des journaux de Guy Fréchette donnent voix à des données manquantes.

Pour montrer, il nous a fallu dupliquer : photocopier, numériser, photographier. Seules les diapositives sont un emprunt au fonds. Elles contiennent un recueil⁷ que Guy Fréchette est venu photographier page par page. Formant un ouvrage miniaturisé, ces diapositives posent à leur tour la question du duplicata. Cette logique de multiplication répond aux images du recueil. Photographiées d’après écrans cathodiques, des séquences de films érotiques et de vampires parsèment son œuvre, elles fusionnent en surimpression avec ses captations personnelles. Ce glissement dans l’écran divulgue un trouble volontaire, un besoin de connecter le réel à la fiction. Certaines traces documentaires réalisées depuis le fonds Fréchette reflètent cette notion d’écran. La loupe grossissante ou magnifying sheet utilisée comme outil de lecture convoque alors des erreurs, des aberrations chromatiques comme de potentielles variations et vibrations capable de faire tressauter l’image vers sa virtualité. L’exposition affiche une prolifération d’images et d’informations qui se répondent comme des fenêtres informatiques, des pop‐ups qui surgissent et se chevauchent.

Be my ghost déploie textes et images en arborescence pour rendre tangible les relations poétiques, érotiques et politiques qui s’y tissent. Trouvant écho dans l’oeuvre de Guy Fréchette, l’évocation du cruising⁸ vient rappeler l’importance historique des lieux de rencontres homosexuelles.

La question du cadrage photographique comme oeil du désir se révèle au long de son œuvre. Certaines prises de vues, explicites ou pornographiques, initient des compositions auto‐érotiques et des mises en scène accessoirisées de cuir, de fourrure, etc. Dans son rapport à l’image, Guy Fréchette traduit également des inclinations plus implicites. Ses photographies déposent des signes à décoder : le buisson d’hortensia capturé à Provincetown⁹, la nuque de J.P. Ces motifs chéris apparaissent dans différentes strates d’auto‐fictions et mettent en lumière les jeux de répétition qui relationnent dans ses récits.

DES CORRESPONDANCES EN INFLORESCENCES

Ne cherchant pas à isoler les documents, les prises de vues réalisées aux AGQ répondent à un principe de superposition, de mise en contact. Certains objets s’immiscent sur et parmi les images. Timbres ou pochette d’allumettes illustrent la promesse d’un message. Le timbre au motif homoérotique et floral de la Collection Y. Beauregard s’invite dans l’interstice des disquettes titrées Je ne t’ai pas envoyé de lettre… et redouble un dialogue fortuit. Une pochette d’allumettes de la discothèque La Boite en Haut¹⁰ s’incruste également dans l’image et dans les lieux. En son creux, on peut lire : « Nom, adresse, téléphone, date à venir ». Présageant un rendez‐vous, cet objet aussi appelé « lettre d’allumettes », consigne un procédé de séduction, un autre moyen d’adresser ses intentions.

La vidéo Debout sous la langue¹¹ nous permet de tisser un dialogue avec les récits de Guy Fréchette. Une collection de timbres y dessine un décor fantasmé, propice à la fiction. Conservé au AGQ, cet album de philatélie a pour unique sujet des représentations dites ‘masculines’. Page après page, l’ouvrage incarne un storyboard d’images‐désirs où les corps deviennent icônes homoérotiques. La vidéo propose une consultation silencieuse, comme intériorisée, la narration qui s’y ajoute déroule des récits enchâssés comme autant de souvenirs et d’images mentales invitant aux lectures plurielles. Debout sous la langue superpose les adresses, le timbre se mue d’objet à sujet de correspondance.

Cette logique de mise en corrélation se poursuit à travers l’apparition d’un presse‐papiers, greffé au fragment « Écraser le temps passé / et kidnapper le temps futur »¹². Le presse‐papiers s’appose verticalement sur la photographie. Il rejoue un appui symbolique sur l’image, comme pour la retenir et la prémunir de l’envol. Ici, Il enlace l’image d’une fleur : la monotropa uniflora, ghost plant ou ghost flower.
Ce végétal propre à la flore Laurentienne du Québec, d’apparence cireuse et d’une blancheur éclatante, est une plante sans chlorophylle. La Ghost flower ne puise pas son énergie grâce à la photosynthèse, elle vit en symbiose parasitaire avec des champignons habitant ses racines. Elle tire des arbres voisins le sucre dont elle a besoin. Plus précisément, elle s’alimente en s’immisçant dans une relation symbiotique entre un champignon et un conifère. Si l’arbre meurt, la monotrope succombe aussi.
À l’image d’un fantôme qui a besoin d’un hôte à hanter pour se manifester, et des vivants qui font appel aux fantômes pour se souvenir, la Ghost Plant illustre les enjeux d’interdépendances qui gravitent autour de ce projet. Be my ghost repose sur ces logiques d’équilibre entre ce qui est montré, ce qui montre, et ce qui se montre. La Ghost Flower a l’autre particularité d’être insaisissable, car aussitôt cueillie ou touchée, ses fleurs noircissent complètement. Comme un impossible bouquet que l’on ne peut ni offrir, ni posséder, ces fleurs ne peuvent qu’être vues.

Les « bouquets de signes »¹³ sont prégnants dans l’oeuvre de G. Fréchette. Le registre floral apparaît dans son langage photographique et poétique, où fleurs et bouquets s’offrent comme des messages à décoder.
Trois poèmes frottés écrits à quatre mains ponctuent l’exposition : Host, Méandre versicolor, et Nombreuses comme des fleurs¹⁴. Ils s’appuient sur un extrait de journal intime où Guy Fréchette s’intéresse au ‘bouquet à lire’ et aux fleurs coupées comme langage. Il y note les variétés, les couleurs,le nombre et leurs significations.¹⁵
Ces poèmes frottés sont basés sur un protocole d’écriture. Des formes textuelles, hésitant entre empreinte et dessin, viennent puiser dans le vocabulaire des zones botaniques du Jardin des plantes de Nantes. Celles‐ci constituent une autre source d’archive, cette fois végétale, où chaque plante s’y trouve référencée par le biais d’un cartel embossé. Nous travaillons à l’aide d’un registre de termes patiemment récoltés, cartographiés et de son champ lexical imposé. Notre outil graphique et rédactionnel fonctionne par procédé de frottage. Nous utilisons ces plaques et les caractéristiques des plantes renseignées pour adresser et rédiger des nouveaux textes où les fleurs indiciaires forment un langage amoureux.

« Ce qui touche, je l’ai appris, et c’est une dimension importante de l’écologie des sentir, demande relais, reprise : ‘Passe ce qui touche, touche d’autre à son tour.’ Ce qui nous touche relève de l’écologie du viral ; faute d’hôtes, ce qui touche s’étiole, et ne pourra plus toucher personne. Ce qui nous touche nous requiert. »¹⁶

Be my ghost « mémoire branchée sur le désir » de Guy Fréchette amorce les liens métaphoriques, les connexions sensuelles, neuronales ou électroniques présentes dans l’oeuvre de l’auteur. L’exposition propose de se relier à cet héritage, de poursuivre ces récits et d’en faire circuler la parole. Le détournement de la formule « be my guest » pour « be my ghost » forme une invitation à chérir nos mémoires queer, à initier des dialogues inflorescents et se laisser hanter¹⁷ de sentiments.

Laura Bottereau & Marine Fiquet

¹Nous avons rencontré Jean Logan et poursuivons les échanges. Ses précieux témoignages ont accompagné la construction de l’exposition.

²Vinciane Despret, Au bonheur des morts, récits de ceux qui restent, p.80‐81, Ed. La Découverte, 2015.

³Elisabeth Lebovici, Ce que le sida m’a fait, Art et activisme à la fin du XXe siècle. p.34. Ed. La maison rouge et JRP Ringier, 2017.

⁴Le format lettre ou «letter size us» (8,5 sur 11 pouces) correspond aux dimensions standards du papier au Canada. Les tapuscrits de Guy Fréchette sont au format lettre.

⁵Recueil Je ne t’ai pas envoyé de lettre… rédigé entre 1988 et 1995. La version présentée a été publiée dans ‘Les saisons littéraires’ de 1995. Il en existe de nombreuses variations, dont une maquette de 1991 intégrant des photographies.

⁶Sérendipité: Capacité, aptitude à faire d’une découverte inattendue un signe.

⁷La mariée pompeuse: trop de tumulte dans l’enrobage. G.Fréchette, 1991. Livre d’artiste. Ouvrage tiré en quatre exemplaires sur papier Whatman 145g.

⁸Dans la culture homosexuelle le cruising désigne la quête d’un ou de plusieurs partenaires occasionnels et anonymes. Toilettes publiques, forêts ou parkings peuvent en être le lieu.

⁹Provincetown (Etats‐Unis), lieu de villégiature gay et lesbien depuis les années 1920.

¹⁰Bar dansant accueillant des drag show, situé dans le village gai de Montréal. Il est le premier à exister rue Sainte‐Catherine. Ce secteur sera progressivement occupé par la communauté gaie et lesbienne à partir des années 1970.

¹¹Vidéo 04m55s, réalisation et texte Laura Bottereau & Marine Fiquet. À partir de la Collection de timbres donnée par Y. Beauregard en 2018 © AGQ.

¹²Fragment de poème, G. Fréchette 19‐‐ documents ©AGQ, Photographie : Bottereau & Fiquet.

¹³G. Fréchette, Extrait de journal, 19‐‐.

¹⁴Poèmes frottés, Laura Bottereau & Marine Fiquet, graphite sur papier, 2023.

¹⁵On y lit : « Rose blanche : je vous aime en silence / rendez‐vous à minuit. Jaune: je vous pardonne de votre infidélité. Un pétale : je me ferai léger dans votre vie. Nombre de fleurs sur la branche ‐ heure du rendez‐vous. »

¹⁶Vinciane Despret, Au bonheur des morts, récits de ceux qui restent, p.98, Ed. La Découverte, 2015.

¹⁷Référant à l’« Hantologie » de Derrida, au « spectre comme effet d’archive » dans Les mots de Jacques Derrida, P. Delain, Ed. Guilgal, 2004‐2017.

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Exposition

14.09.23 — 30.09.23 de 15:00 à 19:00

le Grand Huit Bonus 36 Mail des Chantiers 44200 Nantes

Tout public encadré par le Collectif Bonus

Exposition « Filer la ligne » de Charlotte Barry

Charlotte Barry aime décrire ses œuvres comme des œuvres expérimentales et méditatives. Tissant les matières brutes ou premières, l’artiste nous incite à contempler ses chimères. Tout en nous invitant à changer de regard sur des objets familiers, Charlotte Barry vient indexer un inventaire de la ligne à la recherche d’une matière (…)

Charlotte Barry aime décrire ses œuvres comme des œuvres expérimentales et méditatives.

Tissant les matières brutes ou premières, l’artiste nous incite à contempler ses chimères.
Tout en nous invitant à changer de regard sur des objets familiers, Charlotte Barry vient indexer un inventaire de la ligne à la recherche d’une matière associée au geste adéquat. Le soin apporté aux matériaux transforme un objet banal en un objet précieux. Matière, espace, temps, la confrontation devient idéale.

L’artiste interpelle ainsi l’intuition de son public qui, sans le savoir encore, cherche à travers sa perception de l’œuvre, un autre sens du toucher. Le désir de tendre la main, d’effleurer les matériaux employés…

Vernissage mercredi 13 septembre à partir de 18h30.

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Médiation

07.07.23 — 22.07.23

Le Grand Huit, l'îlot des iles 36 mail des chantiers (en face de la grue jaune) 44200 Nantes

encadré par collectif bonus

Texte critique de Léa Pagnier pour l’exposition « Suns can’t burn » d’Alexia Chevrollier

Une fleur de lys ne sort pas de terre, mais s’enracine dans un amoncellement de verre pilé. Autour d’elle, des pièces sont dispersées : certaines sont suspendues, d’autres disséminées sur les murs. Le tout est enveloppé d’une lumière jaune souffre et d’un bruit sourd, diffus. Telle est l’atmosphère singulière et (…)

Une fleur de lys ne sort pas de terre, mais s’enracine dans un amoncellement de verre pilé. Autour d’elle, des pièces sont dispersées : certaines sont suspendues, d’autres disséminées sur les murs. Le tout est enveloppé d’une lumière jaune souffre et d’un bruit sourd, diffus. Telle est l’atmosphère singulière et inquiétante de l’exposition personnelle d’Alexia Chevrollier « Suns can’t burn » [les soleils ne peuvent pas brûler]. Invitée par le collectif Bonus à concevoir une exposition au sein sa galerie, le Grand Huit, l’artiste plasticienne choisit d’habiter le lieu par une mise en espace sublimée, et affirme, une nouvelle fois, la sensibilité de sa pratique plurielle, toujours envisagée sous le prisme de la matérialité.

« Suns can’t burn » est l’occasion pour Alexia Chevrollier d’aborder, dans l’espace du Grand Huit, les notions de mouvement, de fragilité et de contingence, et d’apporter, à travers ses œuvres, d’autres regards pour contempler et comprendre un monde en constante mutation. Dans l’exposition, dont le titre poétique renvoie à toute une imagerie du paysage, l’artiste crée de manière intuitive un monde en train de se faire, un univers énigmatique à explorer. Usant d’artifices simples, elle propose une mise en scène de ses pièces, et plonge les visiteur·euses dans une expérience sensorielle inédite. L’espace, conçu comme un territoire mystérieux, reproduit symboliquement la puissance lumineuse d’un four de fusion, utilisé pour la métallurgie et la verrerie. L’artiste actualise ainsi la vidéo Foyer (2018), projetée ici, dans laquelle elle filme en gros plan l’intérieur incandescent d’un four empli de verre. Semblable au cratère d’un volcan en éruption, celui-ci symbolise la création, son origine, ses aléas, sa magie. En faisant appel à l’imagination de chacun·e, cette œuvre participe à la fabrique de cet étonnant paysage.

Alexia Chevrollier peint avec la matière. Des vestiges mémoriels. Des formes aléatoires. Des stigmates de rouille. Des anatomies molles. Des courbures contraintes. Des pièces qu’elle nomme affectueusement des « tableaux-sculptures » ou des « sculptures-tableaux ». La série À force égale (2019), qui emprunte son titre et sa picturalité à la toile surréaliste d’Yves Tanguy (À force égale, 1935), témoigne sans doute le mieux de ce parti pris. Suspendues dans les airs, ces pièces en verre soufflé, funambules déchues, traitent, par leur fragilité, de l’altération inévitable des corps et des choses, de cet aspect transitoire de la vie.

Alchimiste attentive et patiente, Alexia Chevrollier cherche à percer les mystères des substances et des matériaux qu’elle utilise. L’artiste révèle la temporalité, les spécificités et les variations de ces matières industrielles, organiques ou minérales, qui s’avèrent toujours poreuses à leur environnement, puisqu’elles se métamorphosent continuellement, avec l’eau, le feu, l’air, le temps, passant parfois d’un état à un autre. Le triptyque Sans titre (2023), par exemple, atteste de la vulnérabilité de ces objets dont l’existence est constamment régie par le hasard. En évolution permanente, sensible à l’humidité, cet ensemble de trois plaques en plâtre est non seulement porteur des gestes de l’artiste et des humeurs de la matière, mais aussi d’une pensée sur la temporalité précaire des œuvres d’art.

Synthèse de plusieurs années de recherche, lors desquelles l’artiste a approfondi ses expérimentations, l’exposition est un environnement rhizomique, oscillant entre ordre et chaos, et offre la possibilité aux publics de s’aventurer dans un parcours réflexif. À rebours des systèmes productivistes délétères du capitalisme, Alexia Chevrollier partage ses réflexions sur les manières d’être au monde, et propose des pistes pour établir de nouveaux rapports au vivant.

Léa Pagnier

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Médiation

09.06.23 — 24.06.23

Le Grand Huit, L'îlot des iles 36 mail des chantiers (en face de la grue jaune) 44200 Nantes

encadré par collectif bonus

Texte critique de Adélie Le Guen pour l’exposition « SAUVAGE ! » de Laurence Broydé

Enfumées, brûlantes, vaporeuses, nos images du monde sont plongées dans les fumées de la rébellion. Tantôt gaz des bombes lacrymogènes des forces de l’ordre, tantôt feux de forêts, ce sont toutes ces émanations brûlantes et irritantes dont l’artiste Laurence Broydé dépeint sur ses toiles. Cachée par ces nuées, la lutte (…)

Enfumées, brûlantes, vaporeuses, nos images du monde sont plongées dans les fumées de la rébellion. Tantôt gaz des bombes lacrymogènes des forces de l’ordre, tantôt feux de forêts, ce sont toutes ces émanations brûlantes et irritantes dont l’artiste Laurence Broydé dépeint sur ses toiles.

Cachée par ces nuées, la lutte s’active en arrière-plan. Derrière le trouble, se dissimulent les manifestations du mouvement anti-bassines à Sainte-Soline, déclencheur de l’exposition. Depuis quelques années, les peintures de feu habitent l’oeuvre de l’artiste qui livre ici des “images iconiques de l’affrontement¹”. Ces images de la défense collaborative des réserves d’eau sont la représentation d’un empêchement de la protection de nos milieux par les politiques et rappellent les violences entre les manifestants et les forces de l’ordre.

Les écrans de fumée sont aussi symboliques. Ce sont ceux des politiques aux messages embués, mensongers et dangereux. Ils évoquent les barricades que les manifestants essayent de traverser malgré tout. Le trouble diffus nous plonge dans la fumée et cette volonté de passer outre. Nos yeux larmoyants s’irritent, tentent de faire le point sur cette oblitération de la nature. Une double image absurde et ridicule surgit alors : des CRS armés jusqu’au dents, comme en temps de guerre, face aux manifestants qui se protègent en brandissant leurs parapluies.

L’artiste, en découvrant le manifeste Réensauvagez-vous !, soulève une part enfouie de nos êtres, encapsulée par notre société : la sauvagerie, qui serait chez l’humain, “à l’origine de tout son potentiel de vie²”. C’est finalement en s’intéressant à la polysémie du mot, qu’elle cherche “à remettre du sauvage dans nos vies³”. D’abord, à connotation négative, le terme rappelle un imaginaire colonial ou un champ lexical employé par les politiques pour caractériser les actions combatives des manifestants. En 1998, Jean- Pierre Chevènement, ancien ministre de l’Intérieur, nommait “sauvageons” les contestataires des banlieues avec condescendance. Le devenir sauvage manifeste ici un désir de liberté, une occasion de reprendre le dessus et de se réapproprier l’espace public : entre fête sauvage et manifestation non-autorisée.

Les grandes sculptures de laine s’affirment par une présence organique qui contrebalance ces destructions. Par un processus long de crochet, Laurence Broydé s’accorde à la lente croissance du vivant, crée avec les formes de la nature et met ainsi en oeuvre une “économie des communs⁴”. En suspendant de la mousse et du mycélium de champignons (pleurotes roses et lion mane), elle nous fait goûter à une culture du sous-bois, possiblement soumise à un échec de la pousse. Ne serait-ce que par ses tentatives de faire intervenir des champignons comestibles aux vertus médicinales et aux formes étranges, ainsi que des excroissances de laine à porter ou non, elle contribue à créer activement du collectif et des potentialités de transformations.

Quoi de plus évocateur que de faire se côtoyer ces humains dans le feu de l’action, des incendies de forêts et des fleurs éteintes ou en voie de disparition ? Tout est affaire de bouleversements naturels induits par le réchauffement climatique et les actions humaines. La faune et la flore s’éteignent silencieusement, sans retour en arrière possible. Ses six dessins de fleurs, posés sobrement au sol, deviennent des icônes de notre monde. Symboles de la disparition, les murs de flammes, eux, débordent, surprennent par leur étendue incontrôlables. Malgré une esthétique attrayante de la couleur, c’est tout le champ tragique de l’écocide, celui des reconquêtes sauvages de nos milieux et de nos libertés que Laurence Broydé aborde.

Adélie Le Guen

¹ Échange avec l’artiste le 16 mai 2023.

² Andreas Weber et Hildegard Kurt, Réensauvagez-vous ! Pour une nouvelle politique du vivant, Paris, Le Pommier, 2021, p. 33.

³ Échange avec l’artiste le 16 mai 2023.

⁴ Voir en ce sens la pensée de David Bollier

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Exposition

07.07.23 — 22.07.23 15:00 - 19h00

le Grand Huit Espace d'exposition du collectif Bonus 36 Mail des Chantiers 44200 Nantes

Tout public encadré par collectif Bonus

Exposition Suns can’t burn d’Alexia Chevrollier

Dans le cadre d’un échange avec Espace 29, ateliers d’artistes et espace d’exposition situé à Bordeaux, Bonus invite Alexia Chevrollier, artiste bordelaise à réaliser une exposition au sein de sa galerie. Au travers d’installations dans lesquelles dialoguent sculptures, peintures et vidéos, Alexia Chevrollier développe une œuvre qui interroge le temps (…)

Dans le cadre d’un échange avec Espace 29, ateliers d’artistes et espace d’exposition situé à Bordeaux, Bonus invite Alexia Chevrollier, artiste bordelaise à réaliser une exposition au sein de sa galerie.

Au travers d’installations dans lesquelles dialoguent sculptures, peintures et vidéos, Alexia Chevrollier développe une œuvre qui interroge le temps et la matière. Son travail s’oppose à la conception linéaire et progressive de la temporalité moderne, pour s’attarder sur l’organicité propre à chaque élément sollicité afin d’accompagner ses transformations potentielles. Son exposition personnelle Suns can’t burn à Bonus témoigne de ces enjeux. Alexia Chevrollier nous invite à entrer dans un ensemble d’œuvres qui compose un paysage où la fiction s’imbrique au réel. Plongeant le public dans un environnement se faisant et entrain de se faire, Suns can’t burn est une invitation à poser un autre regard sur le monde, un monde en mutation profonde et incessante. Dans une approche sensible et poétique de notre univers et de ses lois physiques, Alexia Chevrollier tente de muer la vision que nous portons sur l’origine des choses. En captant un monde en perpétuel mouvement, oscillant entre ordre et chaos, l’artiste ici nous rappelle de la fragilité de l’existence.

Exposition du 7 au 22 juillet.

Vernissage le 6 juillet à 18h30.

Ouverture du mercredi au samedi, de 15h00 à 19h00.

Graphisme : Antonin Faurel

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Exposition

09.06.23 — 24.06.23 de 15:00 à 19:00

Bonus 36 Mail des Chantiers 44200 Nantes

Tout public organisé par Laurence Broyde encadré par le Collectif Bonus

Sauvage ! Une exposition de Laurence Broydé

« SAUVAGE !* adjectif (bas latin salvaticus, du latin classique silvaticus, de silva, forêt) Se dit d’une espèce animale non domestique Se dit d’un sujet non apprivoisé d’une espèce domestique. Se dit d’un animal difficile à apprivoiser Se dit d’une espèce végétale qui pousse librement dans la nature Se dit d’un (…)

« SAUVAGE !*

adjectif (bas latin salvaticus, du latin classique silvaticus, de silva, forêt)

Se dit d’une espèce animale non domestique

Se dit d’un sujet non apprivoisé d’une espèce domestique.

Se dit d’un animal difficile à apprivoiser

Se dit d’une espèce végétale qui pousse librement dans la nature

Se dit d’un lieu qui est resté vierge

Qui a lieu au contact de la nature

Qui s’organise en général spontanément en dehors des lois et règlements

Se dit d’une action violente, impitoyable, brutale

Groupes humains qui se sont développés à l’écart des sociétés évoluées et dont le mode de vie est resté primitif ; se dit aussi de ce qui leur est propre

Se dit de quelqu’un qui n’a pas le comportement social, l’attitude morale attendus dans une société civilisée

Qui fuit les contacts humains et mène une vie solitaire

Qui est violent, brutal, cruel »

*source définition du Dictionnaire Larousse

Exposition visible du mercredi au samedi, de 15h à 19h.

Rendez-vous le 8 juin à partir de 18h30 pour le vernissage de l’exposition.

Finissage le 24 juin à partir de 18h30.

Bonus, 36 Mail des Chantiers, Nantes

Accès Tram 1 : arrêt Chantiers Navals

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Non classé

12.05.23 — 27.05.23 de 15:00 à 19:00

Atelier 8, l'Îlot des Îles 36 Mail des Chantiers (en face de la grue jaune) 44200 Nantes

Cette exposition présente des photographies et poèmes à caractère sexuel et peut heurter la sensibilité des - 16 ans organisé par Laura Bottereau & Marine Fiquet encadré par le Collectif Bonus

Exposition Be my ghost « mémoire branchée sur le désir » de Guy Fréchette. Une proposition de Laura Bottereau & Marine Fiquet

Cette exposition fait suite à une résidence de recherche menée aux Archives Gaies du Québec (AGQ), à l’automne 2021. Issue de ce temps de travail, Be my ghost associe commissariat d’archives et créations d’oeuvres. Initiant un dialogue posthume, l’exposition propose une immersion subjective, sentimentale et politique à travers les archives (…)

Cette exposition fait suite à une résidence de recherche menée aux Archives Gaies du Québec (AGQ), à l’automne 2021. Issue de ce temps de travail, Be my ghost associe commissariat d’archives et créations d’oeuvres. Initiant un dialogue posthume, l’exposition propose une immersion subjective, sentimentale et politique à travers les archives de Guy Fréchette, poète et photographe québécois, décédé des suites du sida à 43 ans.
Après sa disparition en 1996, ses archives personnelles sont léguées à Jean Logan, son premier compagnon. En 2020, ce dernier fait don des documents aux AGQ. L’oeuvre de Guy Fréchette, très peu diffusée, reste aujourd’hui méconnue.

Comme toute une généalogie d’auteur·e·s aux voix homosexuelles, queers et dissidentes invisibilisées, l’oeuvre de Guy Fréchette porte des récits qu’il est indispensable de faire circuler. Ces archives continuent de parler – elles témoignent – nous les invitons à ne plus être tues.

Guy Fréchette explore le rapport texte-image en alliant autofiction, prose poétique, manifeste engagé, élégie amoureuse et humeur noire. Ses textes et photographies naviguent entre paysages cinématographiques et dialogues érotiques. Tout aussi crue que sentimentale, son oeuvre est traversée par l’angoisse du sida, la perte et l’abandon. Son écriture incisive offre une plasticité dans le fond comme dans la forme. Guy Fréchette découpe littéralement ses lettres d’amours et manuscrits pour inclure leurs fragments à ces fictions intimes.

Be my ghost « mémoire branchée sur le désir » de Guy Fréchette amorce les liens métaphoriques, les connexions sensuelles, neuronales ou électroniques présentes dans l’oeuvre de l’auteur. L’exposition forme une invitation à chérir nos mémoires queer, à initier des dialogues inflorescents et se laisser hanter de sentiments.

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Vernissage le 11 mai à 18h30

Rencontre le 25 mai à 19h30 : « mémoire queer et regards sur les artistes québécois.e.s décédé.e.s du sida », par Alex Noël, auteur et professeur à l’UdeM, Montréal.

Bonus, 36 Mail des Chantiers, Nantes

Accès Tram 1 : arrêt Chantiers Navals

! Avertissement !
Cette exposition présente des photographies et poèmes à caractère sexuel et peut heurter la sensibilité des – 16 ans.

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Médiation

09.02.23 — 25.02.23

Atelier 8, l'îlot des iles 36 Mail des Chantiers (en face de la grue jaune) 44200 Nantes

encadré par le Collectif Bonus

Texte critique de Pascal Marquilly pour l’exposition « Marquer son territoire » de Matthieu Husser

Entre le 17 mars 2020 à midi et le 10 mai 2020 à minuit, une batterie de restrictions de déplacement contraignait la population française. L’une d’entre elle, la plus emblématique, le fameux rayon d’un kilomètre autour du domicile concédant des déplacements brefs d’une heure quotidienne, fut marquée au sol à (…)

Entre le 17 mars 2020 à midi et le 10 mai 2020 à minuit, une batterie de restrictions de déplacement contraignait la population française. L’une d’entre elle, la plus emblématique, le fameux rayon d’un kilomètre autour du domicile concédant des déplacements brefs d’une heure quotidienne, fut marquée au sol à la craie par Matthieu Husser. Il s’agissait probablement pour l’artiste de manifester sa désapprobation et un certain agacement. Mais il lui était assurément nécessaire d’éprouver physiquement la contrainte. Marcher chaque jour dans cet espace circonscrit ne suffisait pas, il fallait le délimiter et signifier cette frontière absurde. Il fallait conjurer l’interdit.

Matthieu Husser entretient une relation singulière à la géographie d’une ville, qui passe principalement par le fait de la parcourir de long en large, à pied ou à bicyclette. Que ce soit à Strasbourg, Berlin, Lille ou Nantes, il n’a de cesse d’explorer les coins et les recoins de l’urbanisation galopante, à croire qu’il court après. Il expérimente la ville par des déplacements incessants et répétitifs, en martelant les pavés, comme s’il cherchait à tracer de nouvelles voies sous ses pas, ou une cartographie dont il serait le seul destinataire, ou du moins qui ne se révélerait qu’à ses yeux. Que ce soit lorsqu’il déambule au hasard, ou qu’il effectue au préalable un repérage sur carte, il tente de saisir les mutations urbaines, de les faire siennes. Il habite la ville en l’arpentant, en posant des balises sensibles qui lui feront prendre telle ou telle direction, s’arrêter ci ou là et goûter toute la singularité des lieux. Il se rendra volontiers au chevet des espaces en transition, des dents creuses, des friches tout autant qu’il sera particulièrement attentif à quelques graffitis ou symboles décatis subsistant sur une façade bientôt rénovée ou abattue. Son attention se portera avec la même intention sur la pierre d’un château fort que sur le béton d’un bloc anti-intrusion, les renvoyant dos à dos. Ces différents éléments distinctifs de l’environnement urbain entrent immédiatement en corrélations avec sa démarche, qui pourrait se qualifier comme une archéologie ludique, comme un jeu formel entre passé et présent, entre modalités de représentations et de distinctions convoquant tout autant l’héraldique que les logotypes. Il opère indéniablement à travers sa démarche une translation des signes, comme autant de transitions urbaines, qu’il aura alors à cœur par la suite de documenter et de signifier.

Depuis la vague d’attentats ayant frappée Paris ou Nice, les métropoles européennes se sont dotées d’une armada de systèmes de sécurisations contraignant fortement les circulations. Des blocs massifs de béton disséminés un peu partout font désormais partie intégrante du paysage urbain. Ils se sont d’ailleurs étonnamment fondus dans le décor, tant leur fonction défensive peut parfois en être détournée par les citadins qui s’en sont emparés. On s’y assoit, on y mange, on y lasse ses chaussures, on saute par-dessus, on gribouille leur surface, etc. Si l’on rapporte ses parallélépipèdes bétonnés au château des Ducs de Bretagne, il s’opérera une étrange analogie qui n’a pas échappé à l’artiste. Tout autant que la forteresse devait défendre la ville à partir du XIIIe siècle, devenant aujourd’hui un musée, un monument historique dépourvu de toute charge militaire, la tâche première des blocs anti-intrusion ou anti-bélier semble s’amenuiser à l’usage. Peut-être que ceux-ci pourraient se confondre à terme avec des sculptures urbaines, ou des vestiges d’un autre temps. Il se pourrait qu’ils soient les traces d’une antique citadelle démontée pierre par pierre puis éparpillée dans la ville, rien ne se perd, rien ne se crée, tout se transforme nous dit la maxime. La sculpture (Sans titre, bloc anti-intrusion, 2022) figurant ces fameux blocs comme s’ils étaient réalisés du même granit que celui des murailles du château des Ducs de Bretagne interroge directement les notions de monument, de mobilier urbain, de sculpture publique. L’œuvre, par un jeu de faux-semblant et de transfert d’attribut, questionne aussi l’identité même de la ville passant à travers ses strates historiques et contemporaines, à travers ses transformations, ses évolutions, ses modalités d’usages, ses rôles et ses positions au fil du temps, comme si elle en forçait la mémoire, comme si elle en était le passe-muraille. Par ailleurs, il y a là une ironie toute enfantine à reproduire ces obstacles empêchant la libre circulation pour quelqu’un qui a fait de celle-ci son propre paradigme.

Les remparts du château de François II de Bretagne, qui ordonna la rénovation complète de l’édifice, se sont glissés dans une autre dimension à la suite des marches prospectives de Matthieu Husser dans les rues de Nantes. Il remarqua que de nombreux graffitis représentant des 44, code postal du département de Loire – Atlantique, émaillaient les murs de la ville. Ainsi ce nombre lui aussi sculpté et patiné comme s’il était fait de la même matière que le château ducal, rappelle d’une part les inscriptions identitaires cités plus haut mais fait aussi référence aux anciennes armoiries qui distinguaient une famille noble ou une collectivité. Hier différents emblèmes symboliques caractérisaient une appartenance à un territoire, aujourd’hui un simple nombre rempli le même office. On peut légitimement s’interroger sur cette paupérisation des signes, ou du moins sur leur réduction, passant outre les valeurs de pouvoir ou de puissance qu’ils pouvaient recouvrir aux plus belles heures des écus. Peut-être est-ce ici une tentative de donner corps à cette classification administrative pour mieux la ramener à une dimension symbolique. Peut-être est-ce une tentative de donner à voir des histoires, de celles que l’on se plairait à imaginer au détour d’une ruelle pour peu que l’on se laisse surprendre.

Les œuvres présentées pour cette exposition captent des instants de ville(s) qui sont mis à l’épreuve du temps, soumis à la question parfois. Elles esquissent une sorte d’atlas archéo-sensible ou chaque reproduction symbolique des cités explorées se propose comme les jalons d’une exploration urbaine. Que ce soit la réplique du logotype de la région Pays de la Loire qui dialogue ici avec son espace de représentation, ouvrant ses parenthèses face à la mer, ou encore l’implantation des pictogrammes annonçant des monuments à l’échelle de l’Europe (Les monuments, 2007 – 2019), elles proposent une aventure dont le décor urbain est répliqué puis mis en situation pour en activer les ressorts.

Ainsi vont les villes, qui si elles n’y prennent garde, s’abîmeraient dans une posture de façade pour mieux dissimuler leur imposture.

Pascal Marquilly, novembre 2022.

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Médiation

10.03.23 — 25.03.23

Atelier 8, l'îlot des iles 36 Mail des Chantiers (en face de la grue jaune) 44200 Nantes

encadré par le Collectif Bonus

Texte critique de Katia Porro pour l’exposition « Pluie acide » d’Élise Legal et Léa Guintrand

Gribouiller signifie tout le spectre des émotions évidemment négatives ← Aussi : ce qui ne peut pas être dit.1 – Amy Sillman Parlons de la chute, et non pas de la fin, car c’est cet entre-deux qui m’excite. Ce genre d’excitation épuisante, comme une fissure dans le temps, où l’avant (…)

Gribouiller signifie tout le spectre des émotions évidemment négatives ← Aussi : ce qui ne peut pas être dit.¹– Amy Sillman

Parlons de la chute, et non pas de la fin, car c’est cet entre-deux qui m’excite. Ce genre d’excitation épuisante, comme une fissure dans le temps, où l’avant et l’après ne riment à rien. L’excitation d’être lost in translation, parfois frustré·e, mais toujours sur le point de déchiffrer quelque chose. Ni début, ni fin (bien qu’il y en ait toujours une), mais un chevauchement du temps, des émotions et des langues.

C’était le rêve de Barthes² de connaître une langue étrangère et de ne pas la comprendre³. Mais considérons le contraire. N’y a-t-il pas une certaine excitation à comprendre une langue étrangère sans la connaître ? À utiliser des signes pour bricoler du sens, construire peu à peu son propre vocabulaire, ne jamais vraiment tout savoir, mais être capable de percevoir l’essence d’une chose, ou de la chose que l’on veut comprendre ? Devant les œuvres d’Élise Legal et de Léa Guintrand, nous sommes confronté·es à une langue étrangère inconnue et pourtant saisissable, malgré le doute qu’elle suscite. Un chaos composé entre douceur et colère, succès et échec, ponctué d’images à la fois étranges et familières. On distingue certains symboles – des cœurs, des taches de frustration – et scénarios – une canicule sans fin, un souvenir d’été – mais la zone grise entre voir la vie en rose et voir tout simplement rouge est toujours présente. Il y a quelque chose de doux-amer là-dedans, comme la promesse de la pluie acide.

« Quelque chose de raturé ou de gribouillé [est un] acte volontaire d’effacement, de colère, de négation, de dégoût, de haine ; embarras, honte ou désir de rendre invisible ou d’oblitérer⁴ » écrit Amy Sillman. Pourtant, ici, il ne s’agit pas seulement d’un échec ou d’émotions négatives, mais aussi de quelque chose qui ne peut tout simplement pas être dit. Car même si les œuvres évoquent un désir de communiquer, on ressent une incapacité à le faire, sur le plan linguistique. Il s’agit, peut-être (pour accueillir le doute, les bras grands ouverts), d’une question de l’efficacité dans un monde pris par l’accélération.

Élise écrit, surtout des poèmes, brefs et efficaces. «…au crépuscule / je suis d’un calme à faire marcher l’assurance…⁵ ». Léa réalise des vidéos, brèves et efficaces, elles aussi, qui suivent souvent ses sujets dans des paysages inquiétants qui deviennent peu à peu secondaires. Mais si Léa choisit l’image fixe ici, c’est pour donner lieu au trait mouvementé d’Élise. L’efficacité se révèle ainsi à travers des rencontres sans paroles. Les dessins et les clichés ne doivent donc pas être confondus avec du small talk⁶ improvisé – l’improvisation étant parfois une technique maladroite ou inefficace. Ils sont le fruit d’un travail de longue haleine, et un tissage des langues différentes pour en créer une nouvelle.

On pourrait dire que dans ces œuvres, deux univers s’entrechoquent. L’un plus silencieux, sérieux, l’autre plus tumultueux, vibrant. Mais chaque geste est à lire sur le même registre. Une certaine difficulté et un malaise se lisent dans ces deux mondes, ainsi qu’une élégance et une émancipation à l’assumer. Comme un rire nerveux qui ponctue la fin des phrases d’une personne jamais tout à fait sûre de ce qu’elle dit. Les assemblages d’Élise et Léa peuvent être entendus de la même manière : des images resserrées et précises, interrompues par des éclats de rire nerveux qui célèbrent la chute, et non pas la fin.

Katia Porro

¹ Amy Sillman, Faux Pas: Selected Writings and Drawings, Paris, After 8 books, p. 115. Traduit de l’anglais “(Scribbling out means the full spectrum of obviously negative emotions-) ← Also: what can not be said -?!”
² Je pourrais citer le texte de Barthes sur l’œuvre de Cy Twombly ici, mais cela serait trop facile.
³ Roland Barthes, L’Empire des signes, Éditions du seuil, p. 8 “Le rêve: connaître une langue étrangère (étrange) et cependant ne pas la comprendre”
⁴ Amy Sillman, Faux Pas: Selected Writings and Drawings, Paris, After 8 books. Traduit de l’anglais : “Something scratched out or scribbled over – willfull act of erasure, anger, negation, disgust, hate; embarrassment, shame, or a wish to make invisible or to obliterate.”
⁵ Extrait du poème “Obscur” d’Élise Legal
⁶ Bavardages

Curatrice, critique et traductrice américaine, Katia Porro a obtenu un master en l’histoire du design de Parsons Paris. Après ses études, elle a occupé des postes dans diverses institutions artistiques et galeries (Galerie Allen, KADIST Paris, Palais de Tokyo) et a assuré le commissariat d’expositions en France et à l’étranger (Fondation d’entreprise Ricard, Paris ; Gether Contemporary Copenhagen ; Doc !, Paris ; Treize, Paris ; monopôle, Lyon). En 2020-2021, elle a été Associate Director de la résidence Amant Siena. Depuis 2021, elle est directrice artistique d’In extenso (Clermont-Ferrand) et rédactrice en chef de La belle revue.

Née en 1991, Léa Guintrand habite et travaille à Montreuil. Elle est diplômée en 2017 de l’ENSBA Lyon. Au cours de ses études elle réalise un stage dans une entreprise publicitaire, en lien avec sa recherche sur la construction et le marketing des images. Sa pratique s’oriente vers l’installation mêlant photographie et vidéo.
Elle obtient une bourse de la région Île-de-France (FoRTE) en 2021. Son travail a été présenté à l’occasion de l’ouverture des réserves du frac Île-de-France (2021) au Centre Photographique Marseille (2021), à la Fondation Ricard à l’occasion du Bal Jaune (2018).

Elise Legal est artiste et écrivaine. Diplômée des Beaux-Arts de Lyon elle est actuellement en résidence aux ateliers Bonus de la Ville de Nantes. À travers une pratique qui croise le dessin et l’écriture, elle porte une attention particulière à la manière dont le langage et le corps coexistent. Elle est inscrite en première année de thèse en recherche-création au sein de l’université Paris 8. Son premier recueil de poèmes « Stray Dog » est publié auprès de la maison d’édition londonienne Ma Bibliothèque. Son prochain livre qui mêlera récits personnels et analyses politiques paraîtra bientôt chez Même pas l’hiver. Elle a eu l’occasion de présenter son travail à la galerie gb agency (Paris), Sabine Knust Gallery (Munich), Graves Gallery Museum (Sheffield).

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Médiation

08.04.22 — 18.06.23

Atelier 8, l'îlot des iles 36 Mail des Chantiers (en face de la grue jaune) 44200 Nantes

organisé par collectif TOUX encadré par le Collectif Bonus

Texte critique d’Adélie Le Guen sur l’exposition « Veuillez patienter… »

Veuillez patienter… La partie est toujours en cours. Quel sera l’avenir de notre planète ? Celui de notre pays ? Et, plus proche de nous encore, celui du quartier Bellevue à Nantes ? Dans ce contexte incertain, quatre femmes, Elise Drevet, Naïma Rass, Pauline Rouet et Bettina Saroyan, tissent avec (…)

Veuillez patienter… La partie est toujours en cours.

Quel sera l’avenir de notre planète ? Celui de notre pays ? Et, plus proche de nous encore, celui du quartier Bellevue à Nantes ? Dans ce contexte incertain, quatre femmes, Elise Drevet, Naïma Rass, Pauline Rouet et Bettina Saroyan, tissent avec humour et ironie leurs créations dans la vitrine de l’ancienne pharmacie de la place Mendès France. Une exposition intitulée Veuillez patienter… dont le vernissage a lieu ce vendredi 8 avril 2022 à 17 heures.

La place Mendès France est un de ces lieux où le public des terrasses est essentiellement masculin, où les femmes se font discrètes. Alors comment peuvent-elles en profiter ? Il était important que la question soit abordée pour cette première exposition dans la pharmacie désaffectée de la place. Réinvestie par le collectif Bonus, ce dernier a sélectionné de jeunes artistes pour s’emparer du lieu et le revivifier. Il faut préciser que le contexte est particulier : les bâtiments de la place seront bientôt détruits pour laisser place à de nouvelles architectures flambant neuves au loyer mirobolant. En d’autres termes, la gentrification. Aux côtés des vétustes bazar, banque et taxiphone, ce sont donc quatre anciennes cellules commerciales qui sont temporairement réinvesties en atelier d’artistes, chacune proposant sa propre programmation culturelle.

Dans ce temps suspendu aux promesses comme aux risques, tout le monde attend. Les résidents, les électeurs, et même les immeubles font preuve de patience ! C’est le jeu du hasard et des probabilités. À moins qu’elles ne soient biaisées par les médias comme l’annonce ce dessin de Gébé qui entonne l’exposition. Réalisé à l’occasion des élections présidentielles de 1974, son humour absurde nous rappelle à quel point nous échappe la privatisation des médias et la mainmise qui se resserre sur eux. Un sentiment d’impuissance nous saisit, et sous les injonctions “Faîtes vos jeux !” et “Rien ne va plus” scandées à la vitrine, nous réduit à l’expectative des joueurs de roulette.

Écran poreux entre l’atelier des artistes et l’espace public du quartier, la vitrine de la pharmacie désuète présente des œuvres qui dialoguent avec l’avenir incertain de Bellevue. En chacune d’elles se joue un moment de bascule comme autant de parties de jeu en cours. Ainsi dés, roulettes, pions, gants de croupier et autres symboles du hasard s’y succèdent de manière récurrente. Si la pratique du textile commune aux quatre jeunes femmes constitue le point de départ de l’exposition, leurs techniques se distinguent. Habituée au militantisme, Naïma Rass puise dans ses formats (banderoles, slogans et patchworks) pour constituer un vocabulaire basé exclusivement sur la récupération de tissus usagés. En pleine effervescence de la fast fashion et du e-commerce, elle érige la figure du chiffonnier contre le gaspillage et le consumérisme à outrance.

À rebours du gain de temps et du rendement, Bettina Saroyan privilégie la pratique manuelle du tissage plutôt que sa production mécanique. Ayant grandi dans un commerce de prêt-à-porter, l’artiste ramène l’art tapisserie dans l’art contemporain en questionnant les pertes de savoir-faire, d’innocence et d’identité au profit du progrès technologique. Mêlant une imagerie médiévale digérée et recrachée par internet et son langage leet, elle ouvre un dialogue entre nos anciennes traditions et notre monde virtuel.

À la différence des tapisseries réalisées en haute lisse chez Bettina Saroyan, celles de Pauline Rouet sont réalisées en basse lisse, c’est-à-dire sur un métier à tisser non plus vertical mais horizontal. Friandes de symboles, ces dernières multiplient les allers-retours, les jeux de mots et d’analogies dans une série de détournements à foison. Quant à Élise Drevet, elle envisage la broderie comme un piratage informatique où l’on vient coudre sur une trame déjà existante de nouvelles informations, des données étrangères. Elle réalise également une installation lumineuse autour d’objets chinés, semblables aux pions d’un jeu à inventer, éclairant la pharmacie à la manière d’un riche casino.

La figure du tisseur est un personnage phare de Veuillez patienter… Dès l’Antiquité, des philosophes comme Platon en faisaient la métaphore d’un architecte idéal de la société. Pour être résistant, un tissu social bien tramé doit correspondre à une maille assez souple où chaque fil, c’est-à-dire chaque citoyen, a son importance. Mais qui ferait un bon tisserand ? Ici aucun cartel ne vient désigner l’autrice des œuvres. Mises sur un pied d’égalité, celles-ci font la force d’une proposition collective plus que la mise en valeur de telle ou telle artiste.

Un texte d’Adélie Le Guen

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Exposition

28.04.23 — 30.04.23 de 15:00 à 19:00

Bonus 36 Mail des Chantiers 44200 Nantes

Tout public organisé par Camille Orlandini encadré par le Collectif Bonus

Mozzare

Mozzare de Camille Orlandini Projet In Situ lancé et soutenu par Bonus, en partenariat avec la Laiterie Nantaise. Vernissage le jeudi 27 avril à 18h30. « Artiste plasticienne et designer culinaire, j’envisage ma pratique comme un espace d’échange, créateur de liens, avec pour axe central le vivant. L’aliment, la matière, la (…)

Mozzare

de Camille Orlandini

Projet In Situ lancé et soutenu par Bonus, en partenariat avec la Laiterie Nantaise.

Vernissage le jeudi 27 avril à 18h30.

« Artiste plasticienne et designer culinaire, j’envisage ma pratique comme un espace d’échange, créateur de liens, avec pour axe central le vivant. L’aliment, la matière, la forme et le territoire se répondent, dialoguent et se confrontent. Mes recherches s’inscrivent dans une réalité qui est celle de l’acte vital et fondamental de se nourrir et une temporalité du manger ensemble, qui est un acte à la fois biologique, mais également politique et sacré. À travers le dessin, je questionne la gestuelle, le toucher, le goût. Ce dernier m’intéresse car il touche à l’intime, à la subjectivité de chacun. Ma pratique est immersive, elle s’inscrit nécessairement dans un ancrage territorial, dans un rapport au paysage, à l’histoire et à la culture du lieu, dans un rapport à l’autre. Elle questionne le processus de transformation depuis la terre jusqu’à la scénographie d’un repas, en passant par le dessin d’objets, éminemment vecteurs de lien. J’envisage mes projets comme des temps de recherche et de production, à la fois photographiques, culinaires, expérimentaux, sensoriels, découlant de rencontres, d’explorations et d’échanges au sein desquels j’interroge le rapport entre formes comestibles et non comestibles.

« La mozzarella ça se fabrique et ça se mange avec les mains. À la Laiterie Nantaise on fait de la mozzarella de vache à partir de lait de foin. Mozzare, c’est couper en italien, couper la pâte filée en la pinçant entre le pouce et l’index. Cette action, c’est déjà une gestuelle du partage et c’est le point de départ de mes recherches autour du lait. Que raconte le lait de nous, quel est notre rapport à cet aliment ? » Entre discussions et recherches plastiques autour des formes souples, étirées, molles, liquides, caillées, formées… cette restitution publique donne à voir, à boire, à manger et à penser.

Manger c’est in corpore, faire sien, mettre en soi. Manger c’est aussi s’intégrer dans un espace social, c’est s’ « in corpore ». Alors comment l’art et le design viennent réinterroger les manières que l’on a de se nourrir, les manières dont on mange et dont on pourrait manger ? Investir et s’approprier les lieux par ce que l’on mange, en traduire des formes d’essences, des interprétations visuelles sensibles et en faire des expériences collectives, tant dans la réalisation que dans le partage du moment de dégustation. L’enjeu étant de raconter des histoires comestibles propres aux espaces dans lesquels elles s’inscrivent et de développer des temps d’échanges, avec et pour ceux qui font vivre ces lieux. »

Camille Orlandini

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Exposition

06.04.23 — 23.04.23 15h00 - 19h00, du jeudi au dimanche.

Atelier 8, l'Îlot des Îles 36 Mail des Chantiers 44200 Nantes

Tout public encadré par le Collectif Bonus

Quatre, une exposition des artistes lauréat.e.s du prix des arts visuels de la ville de Nantes 2022

Cette exposition regroupe des travaux existants de chacun.e.s des artistes qui se rencontrent pour la première fois avant l’exposition prévue à L’Atelier* en juin 2024. Avec les œuvres de Claire Amiot, Élise Hallab, Benoît Travers et Clément Vinette. Vernissage le 4 avril à 18h30. Finissage le 23 avril à 16h00.

Cette exposition regroupe des travaux existants de chacun.e.s des artistes qui se rencontrent pour la première fois avant l’exposition prévue à L’Atelier* en juin 2024.

Avec les œuvres de Claire Amiot, Élise Hallab, Benoît Travers et Clément Vinette.

Vernissage le 4 avril à 18h30.

Finissage le 23 avril à 16h00.

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Rencontre/conférence

21.03.23 18:00

Bonus, Saint-Félix 39 rue Félix Thomas 44000 Nantes

organisé par Le Collectif Bonus encadré par le Collectif Bonus

C’est ma tournée – Avec Antoine Denoual et Frédrik Odenius

Antoine Denoual et Frédrik Odenius, actuellement en ateliers temporaires à Bonus, présenteront leurs pratiques artistiques respectives lors d’un temps convivial sur le site de Félix Thomas, mardi 21 mars, à 18h. Vous y êtes les bienvenu.e.s Accès Tram 2 arrêt Saint-Félix.

Antoine Denoual et Frédrik Odenius, actuellement en ateliers temporaires à Bonus, présenteront leurs pratiques artistiques respectives lors d’un temps convivial sur le site de Félix Thomas, mardi 21 mars, à 18h.

Vous y êtes les bienvenu.e.s

Accès Tram 2 arrêt Saint-Félix.

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Exposition

10.03.23 — 25.03.23 de 15:00 à 19:00

Atelier 8, l'Îlot des Îles 36 Mail des Chantiers (en face de la grue jaune) 44200 Nantes

Tout public organisé par Elise Legal encadré par le Collectif Bonus

« Pluie acide », une exposition d’Elise Legal et Léa Guintrand

Élise Legal invite Léa Guintrand à l’Atelier 8. Elles envisagent cette exposition comme un temps de rencontre entre leurs pratiques respectives à travers des tableaux d’images composés de dessins et de photographies. Graphisme : @jean.laniau – L’exposition sera ouverte du mercredi au samedi, de 15h à 19h. Le vernissage (…)

Élise Legal invite Léa Guintrand à l’Atelier 8. Elles envisagent cette exposition comme un temps de rencontre entre leurs pratiques respectives à travers des tableaux d’images composés de dessins et de photographies.

Graphisme : @jean.laniau

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L’exposition sera ouverte du mercredi au samedi, de 15h à 19h.

Le vernissage aura lieu le jeudi 9 mars, à 18h30.

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Rencontre/conférence

22.02.23 18:00

39 rue félix thomas 44000 nantes

Tout public organisé par Le Collectif Bonus encadré par le Collectif Bonus

Discussion de fin de résidence avec Dito Yuwono et Mira Asriningtyas

After two months of residency at Collectif BONUS, Dito Yuwono will present some of his findings of his research, especially on visiting ZAD, and his impression about doing an art residency in Nantes in general. For this casual presentation-farewell, Dito Yuwono together with curator Mira Asriningtyas, will present their curatorial (…)

After two months of residency at Collectif BONUS, Dito Yuwono will present some of his findings of his research, especially on visiting ZAD, and his impression about doing an art residency in Nantes in general.

For this casual presentation-farewell, Dito Yuwono together with curator Mira Asriningtyas, will present their curatorial collective practice as LIR.

LIR is an art institution turned curator collective that was initially established in 2011 as an art space in Yogyakarta – Indonesia with an aim to build a supportive and positive environment for artists. Over the years, the institutional format is perpetually renewed and recently LIR Space turned nomadic into LIR curator collective; characterized by the multi-disciplinary collaboration and often-performative exhibition in order to foster continuous transgenerational transmission of knowledge, memory, and history.

This presentation will only open for Collectif BONUS Artists.

For further information on their project, please visit:

http://www.lirspace.net/

https://www.instagram.com/900mdpl/

http://miraasriningtyas.com/

*Photographs by Kurniadi Widodo

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Exposition

09.02.23 — 25.02.23

Atelier 8, l'Îlot des Îles 36 Mail des Chantiers (en face de la grue jaune) 44200 Nantes

organisé par Matthieu Husser encadré par le Collectif Bonus

Exposition « Marquer son territoire », de Matthieu Husser

En ce mois de février 2023, nous vous convions à venir découvrir l’exposition « Marquer son territoire », de Matthieu Husser à l’Atelier 8. Vernissage le 9 février à 18h30. « (…) le vrai habiter a lieu là où sont les poètes » Heidegger ( Bâtir, habiter, penser (1951)) « Signes, pictogrammes, lettres et (…)

En ce mois de février 2023, nous vous convions à venir découvrir l’exposition « Marquer son territoire », de Matthieu Husser à l’Atelier 8. Vernissage le 9 février à 18h30.

« (…) le vrai habiter a lieu là où sont les poètes » Heidegger ( Bâtir, habiter, penser (1951))

« Signes, pictogrammes, lettres et symboles prolifèrent dans les œuvres de Matthieu Husser. Ses différents voyages l’amènent à explorer et témoigner des mutations de nos villes occidentales, par les voies de la peinture au départ, puis, celles de la sculpture et œuvres in situ ensuite.

Le point de départ est toujours le même : un déplacement. Tel un archéologue, il déambule dans ces villes modernes, il y capture les vestiges d’une histoire et tente de faire dialoguer les époques. Après des heures de recherches sur l’histoire de la ville et de ses mutations, il parvient à trouver l’élément, le symbole de cette transformation. Cette mutation urbaine est le fil rouge de la démarche de Matthieu Husser. Ce paradigme est construit autour d’un motif cartographique que l’on retrouve dans l’ensemble de ses œuvres. Ainsi il brouille les références temporelles en jouant avec logos et symboles d’anciennes usines, de bâtiments, édifiés en trois dimensions et mêlés tels des trompe-l’œil à la ville. Ce marquage fonctionne comme un repère sur une carte et révèle les contours de la transformation urbaine et ses enjeux sur la ville et sur une région entière.

Les œuvres de Matthieu Husser agissent comme des indices mémoriels, des artéfacts de la mutation des villes, un témoignage d’un état transitoire en perpétuel devenir. Ses œuvres – fragments urbains – d’une archéologie contemporaine questionnent tour à tour les pratiques urbanistiques et dénoncent les bouleversements accélérés de l’espace de la vie quotidienne. Ce qui se joue ici, est un acte de résistance symbolique de la mue de la ville contemporaine. Ce paradigme de la mutation urbaine fait écho à l’approche heideggerienne de la ville. Une vision dans laquelle la ville ne doit pas être pensée comme un « outillage » fonctionnaliste de Le Corbusier, mais penser le temps comme vecteur de médiation et ainsi laisser la place à l’acte poétique.

Le paradigme de la mutation urbaine élaboré par Matthieu Husser est une véritable ontologie de l’habiter, construite à la fois sur une contemplation nécessaire et une hétérochronie poétique qui offre la possibilité de repenser les lieux et l’espace ainsi que la relation de l’Homme à ce même espace. »

Madeleine Filippi

Une exposition du 9 au 25 février, ouverture du mercredi au samedi de 15h à 19h.

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Exposition

20.01.23 — 27.01.23 12:00 à 17:00

L'ancienne Pharmacie Place Mendès-France 44100 Saint-Herblain

Tout public organisé par Le collectif Toux encadré par Le collectif Toux

Exposition « Janvier ou rien »

Le collectif Toux vous invite au vernissage de l’exposition collective « Janvier ou rien » dans leur atelier, l’ancienne pharmacie place Mendès-France à Bellevue. Ce sera leur dernière exposition car toustes quitteront leur atelier par la suite. L’exposition courra du 20 au 27 janvier, et les Toux seront présent.e.s sur place pour (…)

Le collectif Toux vous invite au vernissage de l’exposition collective « Janvier ou rien » dans leur atelier, l’ancienne pharmacie place Mendès-France à Bellevue. Ce sera leur dernière exposition car toustes quitteront leur atelier par la suite.

L’exposition courra du 20 au 27 janvier, et les Toux seront présent.e.s sur place pour vous accueillir, de 12h à 17h.

Avec Elise Drevet, Gauthier Andrieux-Cheradame, Pauline Rouet, Bettina Saroyan, Axel Plantier, Lina Goudjil, Joséphine Javier, Ronan Lecrosnier, Adèle Candau, Zoé Journet, Victor Petit, Florian Piro.

Le vernissage se tiendra le 19 janvier à 18h, vous y êtes les bienvenu.e.s !

Accès : tram 1 direction François Mitterrand, arrêt place Mendès-France.

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Rencontre/conférence

05.01.23 18h30

Bonus 39 rue Félix Thomas 44000 Nantes

Tout public organisé par Le Collectif Bonus encadré par le Collectif Bonus

Rencontre publique avec les artistes Dito Yuwono et Emilie Allard

En cette rentrée 2023, nous vous donnons rendez-vous à Bonus, Félix Thomas, pour une présentation / rencontre publique avec les artistes Dito Yuwono et Emilie Allard. Dito Yuwono, artiste indonésien, débute une résidence au sein des ateliers de Bonus. Emilie Allard, artiste canadienne, est quant à elle actuellement en résidence (…)

En cette rentrée 2023, nous vous donnons rendez-vous à Bonus, Félix Thomas, pour une présentation / rencontre publique avec les artistes Dito Yuwono et Emilie Allard.

Dito Yuwono, artiste indonésien, débute une résidence au sein des ateliers de Bonus.

Emilie Allard, artiste canadienne, est quant à elle actuellement en résidence au Lieu Unique.

La présentation de Dito Yuwono se déroulera en anglais et celle d’Emilie Allard en français.

Rendez-vous jeudi 5 janvier à 18h30 au 39 rue Félix Thomas, Nantes.

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(FR) Dito Yuwono, actuellement en résidence au sein du collectif Bonus, présentera sa pratique artistique et nous parlera de la scène artistique indonésienne. Cette présentation publique marquera le commencement de deux mois de résidence à Nantes, soutenu par Campus France et l’institut français en Indonésie.
Dito Yuwono travaille comme artiste et curator à Yogyakarta en Indonésie. Ses œuvres abordent souvent des problèmes sociaux en utilisant la vidéo, la photographie et l’installation audiovisuelle. Il a co-fondé LIR Space en 2011, et a été nommé en 2020, directeur du programme de Ruang MES56 – un collectif de photographie contemporaine en Indonésie.

(EN) Dito Yuwono, who is participating as artist in residence at BONUS Collectif will present his works and a brief context of the Indonesian art scene. This public presentation will mark the beginning of his 2-months residency in Nantes, supported by Campus France and Institut Français Indonesia.
Dito Yuwono works as a visual artist/curator in Yogyakarta – Indonesia. His works often address social issues using video, photography, and audio-visual installation. He co-founded LIR Space in 2011 and in 2020, he was appointed program director for Ruang MES56 – a contemporary photography collective in Indonesia.
Since 2015, Dito did numerous residencies as part of his artistic practice at institutions such as The Northern Territory Center for Contemporary Art (Australia); Ruangrupa & Jatiwangi Art Factory – Indonesia; GOLEB & Het Wilde Weten – The Netherlands; TIFA Working Studios – India, among others. His work has been exhibited in Herbert F. Johnson Museum of Art – United States, Jimei X Arles International Photo Festival 2017, ISCP New York – United States, Jakarta International Photo Festival ’22, among others.

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(FR) « Attentive à l’inconnu, Émilie Allard crée des ensembles à partir d’une variété d’informations issues de son environnement. Par parenté formelle ou liés par la pensée, elle les assemble en fratrie visuelle. Il en émerge une douceur crue faisant le pont entre destruction et construction. Le travail d’Allard est électrisé par l’absence de certitude à laquelle l’humanité est confrontée.
Allard regarde à travers le prisme du lien, de la limite et de l’expérience subtile et continue des mutations de la perception. Ce faisant, elle puise de l’inspiration dans les discours psychanalytique et philosophique et des voix féminines telles que celles d’Annie Ernaux, de Louise Glück ou d’Anne Carson. Ce qui se retrouve dans l’espace oscille entre possibilités limitées de la matière et charge signifiante des objets. Vertige, sculpture, mots, photographie et dessin sont ses outils de travail.
Artiste et poète, Émilie Allard détient un baccalauréat en design graphique de l’Université du Québec à Montréal (2015) et est candidate à la maîtrise en sculpture de l’Université Concordia (2023). En plus de sa pratique individuelle, elle a collaboré avec des chorégraphes pour créer des projections vidéo et a fait partie d’un collectif multidisciplinaire. Son travail individuel et collectif a été présenté à plusieurs reprises, notamment au Festival international de littérature, à Tangente, à Arsenal art contemporain, à Espace Projet et à la Maison de la culture du Plateau. »

Source : https://www.iea-nantes.fr/fr/chercheurs/allard-emilie_532

Image : Dito Yuwono

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Exposition

05.01.23 — 22.01.23 de 15:00 à 19:00

Atelier 8, l'Îlot des Îles 36 Mail des Chantiers (en face de la grue jaune) 44200 Nantes

Tout public organisé par Cendrine Robelin encadré par le Collectif Bonus

Redevenir forêt – Une exposition de Cendrine Robelin

Redevenir forêt est une ouverture, une ouverture à soi et aux autres, à un monde pluriel, en perpétuelle métamorphose. La source de cette exposition se trouve dans la forêt de Brocéliande. Cendrine Robelin y a acquis une zone naturelle humide, la dite Cabane 55, afin d’y favoriser la biodiversité. S’y (…)

Redevenir forêt est une ouverture, une ouverture à soi et aux autres, à un monde pluriel, en perpétuelle métamorphose. La source de cette exposition se trouve dans la forêt de Brocéliande. Cendrine Robelin y a acquis une zone naturelle humide, la dite Cabane 55, afin d’y favoriser la biodiversité. S’y trouvent un chalet, des sources jaillissantes, un étang et des grands arbres. Un sentiment de paix règne en ce lieu, espace sacré. De la multitude des mondes en présence naît la beauté. Seulement, des êtres vivants décriés nuisibles, des espèces exotiques envahissantes, s’immiscent dans cette histoire. Redevenir Forêt est un processus. Il y s’agit de tisser des nouveaux liens aux vivants, d’accueillir l’étrangeté de la rencontre et de faire œuvre d’hospitalité.

Vernissage le 7 janvier à 18h30.

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Exposition

09.12.22 — 11.12.22

L'Atelier 8 36 Mail des Chantiers 44200 Nantes

Tout publics organisé par le Collectif Bonus

SAPIN SAPINE – Expo vente de Noël

Les artistes de Bonus vous invitent à leur événement « SAPIN SAPINE » qui se déroulera du 9 au 11 décembre à l’Atelier 8. SAPIN SAPINE est une lumineuse expo/vente de noël, un grand banquet d’œuvres d’art aux goûts et aux tarifs chocolat, miel, caramel au beurre salé et sucre glacé. (…)

Les artistes de Bonus vous invitent à leur événement « SAPIN SAPINE » qui se déroulera du 9 au 11 décembre à l’Atelier 8.

SAPIN SAPINE est une lumineuse expo/vente de noël, un grand banquet d’œuvres d’art aux goûts et aux tarifs chocolat, miel, caramel au beurre salé et sucre glacé. Il y en aura pour tous les porte-monnaies !

Vous êtes chaleureusement convié.e.s au sein de l’Atelier 8, transformé, illuminé pour l’occasion !

Nous vous y attendrons avec des notes de musiques (pas de clochettes promis), du bon vin chaud et toujours toujours, de la bonne humeur !

Rendez-vous le vendredi 9 décembre pour l’ouverture des portes, à partir de 18H30.Puis les 10 et 11 décembre de 11h à 20h.

L’Atelier 8 se situe au 36 Mail des Chantiers, Nantes.